פסטיבל הצילום בארל,  Rencontres d’Arles, 2023

English follows Hebrew

פסטיבל הצילום בארל, צרפת,  Rencontres d’Arles, הוא אירוע מרהיב, שמתרחש בחללים עתיקים והיסטוריים ברחבי העיר המאובקת, המחוספסת, לעומת עיירות ציוריות המצויות מרחק נסיעה קצר ממנה. זוהי המהדורה ה 54 של הפסטיבל שנערך לראשונה ב 1970 ונחשב לאירוע הבינלאומי השנתי מרכזי של שדה הצילום.
בעשורים הראשונים בהם נערך הפסטיבל היו הגדרות הצילום, כמקצוע, ברורות ויצירת עבודות דרשה סט יכולות טכניות.  מאז שהצילום הדיגיטלי הפך לטכנולוגיה המקובלת, וביתר שאת לאחר  שכלול מצלמות הטלפון החכם ההגדרות שוב אינן תקפות. הצילום הוא חלק בלתי נפרד ומרכזי של תקשורת יומיומית, וחלק ניכר מאיתנו הפכן למתעדות ומתעדים חסרי מנוח של ההווה, משכפלים ומוכפלים במבטים צולבים, נבטים ומשתקפים במראות מציאות.
בפסטיבל עשרות תערוכות שמקיפות כצפוי, את הנושאים המרכזיים על סדר היום הבינלאומי מאקלים ועד פוסט קולוניאליזם ופליטים. צפויות פחות הן תערוכות היסטוריות שעוסקות שיח האידאוסינקרטי של צילום וההרחבות שלו לקולנוע ווידיאו.

Wim Wenders My Polaroid Friends 2023-WEND-01
Wim Wenders. The American Friend himself. Courtesy of the artist / Wim Wenders Foundation.

הבמאי וים ונדרס, יוצר נהדר (מהאהובים אלי) מציג תערוכה שהיא התבוננות מתוך ההווה על הסרט “ידיד אמריקאי” מ 1977 (לפי ספר של פטרישיה הייסמית’). בסיפור מתח ומסתורין מפעיל סוחר בזיופי אמנות שרשרת אירועים שמובילה לשתי רציחות. כמעט חמישים שנה אחרי ונדרס מפנה את המבט בין היתר לתפקיד שמצלמת פולרויד ממלאת בסרט – ככומר המוודה לסוחר רדוף רגשות האשם שמצלם עצמו שוב ושוב. שאלות על סלפיס,  שהפכו לפרקטיס מקובל, כמעט טבעי מרתק. ונדרס מפרק את הסרט לסצנות המנוכחות בווידאו, לעיתים מסביר בקולו את מה שהתרחש מאוחרי הקלעים, ובצילומי סטילס. התערוכה הקטנה היא מהיפות והמרגשות בפסטיבל – התבוננות בדרכי התבוננות  שהשתנו ובאופן מובלע גם הערה על זיוף ואמנות בעידן בו שאלת האמת כבר נחבטה מכל כיוון.
התערוכה CASA SUSANNA  שאצרו איזבל בונה וסופי האקט   Isabelle Bonnet and Sophie Hackett מציגה את הסיפור של קהילת גברים טרנסווסטייט בשנות ה 50 וה 60 בארה”ב היחוד של הקהילה היה בכך שמדובר בגברים מלב המעמד הבינוני האמריקאי הלבן, השבע והשמרני  שהלבוש אותו לבשו היה של נשים מאותו מעמד כלומר   שנדחקו ל”תפקידים “הנשיים ה”מסורתיים” בעיקר עקרות בית.

CASA SUSANNA

הצילומים התגלו ב 2004 על ידי שני סוחרי עתיקות בשוק פשפשים שניו יורק. CASA SUSANNA  היה הכינוי שנתנו לבית נופש בהרי הקטסקיל, כמה שעות מניו יורק  שם נהגו להפגש. הקבוצה גם הוציאה כתב עת מחתרתי בשם Transvestia, כפי הנראה הראשון מסוגו. הצרוף של שמרנות, סקסיזם וחופש מרתק. הדמיון לעבודות של  סינדי שירמן שהחלה לפעול עשרים שנה מאוחר יותר מעניין מבחינת האופן בו הוא מאיר את עומק האחיזה של סטראוטיפים של נשיות.
SCRAPBOOKS  שאצר מתאו אורלן Matthieu Orléan היא תערוכה מרתקת שעוסקת בצרוף של אלבום תמונות ויומן, סוג המחברות שאנשים יוצרים לעיתים כזיכרון של חופשות, ומציבה אותו כסוגה בפני עצמה. בתערוכה עבודות של יוצרים שהתמקדו בקולנוע   כמו  דרק ג’רמן, אנייס ורדה, וסטנלי קובריק לצד  יוצרים שקולנוע היווה רק חלק מיצירתם כמו ווליאם בורוז נעות בין  האישי לפוליטי, האנקדוטי והמהורהר ולעיתים נראות גם כרומן גרפי או איור. האינטנסיביות החזותית הופכת את הצופה לחלק ממסע חשיבה שכובש בתחושה של חופש אסוציאטיבי מוחלט.
שלושת התערוכות הללו מוצגות  Espace Van Gogh, מבנה בית החולים שנבנה במאה ה16 ומפורסם בעיקר משום שבו שהה ואן גוך ב 1888 – 1889, לאחר שחתך את אוזנו. בעת שהותו צייר  את הגנים  שהשתמרו כמעט ללא שינוי. הקסם של אמנות עכשווית שמחוברת בכל נימיה לעבר אמנותי הוא רובד נוסף לחוויה בארל. כך גם התערוכה של סופיה קוליק שמוצגת מול הקתדרלה סן טרופים, שמקושטת בפיסול רומנסקי נפלא, מורכב ורווי יצרים כמו האמנות של קוליק המוצגת בחלל כנסיה ששינה יעודו. עבודותיה מעלות על הדעת שטיחים או חלונות מצוירים מכילים אלפי פרטים מפרחים וצמחים, לדיוקנאות ודוגמני עירום, לדגלים ועצמות. היא מסדרת אותם בקומפוזיציות חגיגיות בשחור ולבן יוצרים יקום של סמלים. ההתייחסויות  לסמלי אריסטוקרטיה וכוח, כלומר לאסטרטגיות של שליטה ודיכוי הופכים את הדימויים למצמיתים, למתקשרים להיסטוריה הקרובה אליה – קוליק חיה בפולין ונולדה שנתיים לאחר מלה”ע ה שניה,  אך גם מהדהדות את אמנות הקתדרלה שבחוץ.

Zofia Kulik
Splendor of the artisan 2023-KULI-01
Zofia Kulik. The Splendor of Myself, gelatin silver prints, 2007. Courtesy of the artist / Persons Projects.

אולי המצמררת שבתערוכות היא Bloodbath Nation, תערוכה ישירה, תיעודית ובמידה מבעיתה מוכרת,שיתוף פעולה של הצלם ספנסר אוסטרנדר Spencer Ostrander והסופר פול אוסטר העוסקת בשאלה מדוע ארה”ב היא המדינה האלימה ביותר בעולם בה, מידי שנה נהרגים יותר מארבעים אלף אנשים מפצעי ירי  (המספרים גבוהים בהרבה עם מונים את המתים מסיבוכים והשלכות). במשך שנתיים צילם אוסטרנדר אתרים בהם התרחשו אירועי ירי המוני. האתרים, רובם מבנים חסרי ייחוד, לעיתים כעורים, צולמו  ללא נוכחות אנשים וללא כלי ירי. בכניסה לתערוכה עבודת סאונד בה פול אוסטר מקריא טקסט העוקב אחרי ההיסטוריה של הנשק בציבוריות האמריקאית, האופן בו כלי הרצח הפכו לחלק מהזהות  של עשרות מילוני אזרחים שבתודעתם מוות וחופש כרוכים יחד. התערוכה היא לפי ספר, באותו שם שראה אור השנה ובו הצילומים והטקסט המורחב גם לסיפור אישי משפחתי של אוסטר.

Bloodbath Nation, Spencer Ostrander, 2023

Bloodbath Nation, Spencer Ostrander, 2023

כמו בביאנלה בוונציה גם בפסטיבל בארל תערוכות הלווין חשובות לא פחות מאלו בתוכנית הפסטיבל. ב LUMA מוזיאון ומרכז תרבות (המצדיק יום ביקור בפני עצמו) מוצגת CONSTELLATION תערוכה בלתי נשכחת של דיאן ארבוז  המציינת מאה שנה להולדתה. כמוצגים בה 454 תצלומים, כל גוף עבודתה של ארבוז, חלקם בפעם ראשונה.  העבודות הודפסו על ידי ניל סלקירק, מי שהיה סטודנט של ארבוז בשנה האחרונה לחייה והוא המוסמך היחיד ליצר עותקים של עבודתה. האוצר, מאתו הומרי ( Matthieu Humery) הציב את התצלומים תלויים על גריד מתכת בלתי רגולרי כך שבעת התבוננות בצילום אחד העין נמשכת גם לרקע – לצילומים נוספים, לדמויות מתהלכות, וגם למראת הענק שמכסה את כל הקיר מול הכניסה . המראה לא מותירה לצופה בררה אלא לראות עצמו בתוך השבילים המתפצלים בחלל למה שנדמה כאינספור אפשריות צפייה.  ארבוז שוטטה ברחבי ניו יורק וצילמה  דיוקן  אנושי שאמנם מתקשר לעבודות רבים לפניה, אבל נושא גוון ייחודי של אמפטיה והשתאות. זו תערוכה שאינה נותנת מנוח לאחר שעוזבים אותה – אם זהו מבט התאומות הזהות לא זהות שנתלה בעיניה של הצלמת, הענק העצוב השפוף עם הוריו בסלון נמוך, הנשים המאופרות בכבדות שאוחזות בכלבים שמבטם מזוגג או נער ענוג ענוד סמלי המיליטריזם והלאומנות האמריקאית, בשר תותחים למלחמת ויטמאם.

 – Rencontres d’Arles עד ה 24 לספטמבר 2023.

כל הצילומים של סמדר שפי אלא אם צוין אחרת

הביאנלה בוונציה 2024 –
סיורים, הרצאות והכנת מסלול לטיול עצמאי.

הביאנלה תפתח באפריל 2024  תחת הכותרת ‘Foreigners Everywhere’.
לקבלת מידע על:
אפשריות סיור איתי בוונציה בהרכבים שונים, הודעה על הרצאות המבוא שאתן בנושא,
והכנת מסלול סיור לנוסעות/ים עצמאיות/ים,
הצטרפו לקבוצת הוואטסאפ (הודעות ממני בלבד).
לקבלת לינק שילחו הודעה ל 0507431106

Claire Fontaine, Foreigners Everywhere (Italian), 2006.

 

 

Rencontres d’Arles

The photography festival in Arles, France, is a splendid event taking place in ancient and historical venues throughout the rough-edged city, unlike from picturesque villages only a short ride away from Arles. In its 54th year, it was first held in 1970, it is considered a leading international photography event.

During its first decades, the definitions of the professional photography were clear. Since digital photography became mainstream, especially after the advances in smartphone cameras, old definitions are no longer valid. Photography is an integral, central part of daily communication as many of us have become constant documenters of the present, replicating and doubled in crisscrossing gazes, seen and reflected in sights from real scenes.

As expected, the scores of exhibitions in the Festival reflect the major issues on the current international agenda, from climate change through post-colonialism and immigration. Less predictable are the historical exhibitions engaged in an idiosyncratic discourse on photography and its expansions into cinema and video.

Brilliant filmmaker Wim Wenders (one of my favorites) is presenting an observation on his 1977 film The American Friend (based on Patricia Highsmith’s novel Ripley’s Game). In this film noir, a dealer in forged artworks sets in motion a series of events leading to two murders. Almost 50 years later Wenders turns our gaze on to the function that Polaroid photographs fulfill in the film, acting like a priest in a confessional for the guilt-ridden art dealer who photographed himself repeatedly. The issue of “selfies” – which has now become a common, almost natural process – is fascinating. Wenders deconstructs the film into scenes made present in video, and sometimes explains what happened behind the scenes and in the stills. This small exhibition is one of the Festival’s most beautiful and moving, with its view of modes of observation that have changed. It also bears a subtle comment on forgery and art in an era in which the concept of “truth” is under attack from all sides.

Another highly interesting exhibition is “Casa Susanna” curated by Isabelle Bonnet and Sophie Hackett, presenting the story of a community of transvestite men from the 1950s and ‘60s in the USA. What is unique is that these men were from the very heart of the white, conservative, American middle-class. They photographed themselves dressed as women of the same class in the same era, i.e., in “traditional women’s roles,” especially as housewives. The photographs were unearthed in 2004 by two antique dealers in a flea market in NYC. “Casa Susanna” was the nickname of the vacation home in the Catskills, several hours north of the city where the group used to meet. They also published an underground newspaper, Transvestia, apparently the first of its kind. The combination of conservatism, sexism, and freedom is fascinating. The similarity to works by Cindy Sherman, who began working 20 years later, is interesting in terms of the way it illuminates stereotypes of women are so deeply held.

Another intriguing exhibition is “Scrapbooks,” curated by Matthieu Orléan, addressing what are essentially hybrids of photo albums, journal, and diary, similar to the type of scrapbook often created as a souvenir of a vacation, but here presented as an independent genre. Scrapbooks by filmmakers such as Derek Jarman, Agnès Varda, and Stanley Kubrick, along with other artists for whom cinema was only part of their oeuvre, such as William Burroughs, oscillate between the personal and the political, anecdotal and meditative, sometimes looking like graphic novels or illustrations. The visual intensity makes the viewer a participant in a thinking process allowing total associative freedom.

These three exhibitions take place in the Espace Van Gogh, the hospital building constructed in the 16th century, known as Van Gogh’s asylum in 1888/9 after he cut off his ear. During his stay, he painted the gardens, which have been preserved nearly unchanged. The charm of contemporary art so connected to the art of the past is an additional layer to the experience in Arles. Thus, too, the exhibition by Zofia Kulik, exhibited facing the Cathedral of Sainte-Trophime adorned with wonderful Romanesque sculpture full of figures and creatures, like Kulik’s artwork installed in a former church. Her works, bringing to mind intricate carpets or painted windows, are comprised of thousands of items from flowers and plants to portraits, nudes, flags, and bones, arranged in festive black and white compositions to create a universe of symbols.  The references to symbols of aristocracy and power, to strategies of domination and repression, bring to mind recent historical events. The artist was born in  born in Poland two years after World War II, lives and works there,  and her works resonate the ordeals of her country as much as the art on the exterior of the cathedral.

“Bloodbath Nation,” is a chilling exhibition in its directness, documentary nature, and horrifying familiarity. The collaboration between photographer Spencer Ostrander and writer Paul Auster is engaged in the question why the USA is the most violent country in the world where more than 40,000 die annually from gunshot wounds (with much higher numbers if those dead from complications and collateral damage are included). For two years, Ostrander photographed the sites of mass shootings. The sites were photographed without people or weapons, and are mostly nondescript and often ugly. At the entrance to the exhibition there is a sound piece by Paul Auster reading a text on the history of guns in public life in America, the way in which the murder weapons became part of the identity of dozens of millions of citizens who consciously think of death and freedom together. A book of the same name published this year includes the photographs and a text expanded to include Auster’s own family story.

As in the Venice Biennale, the satellite exhibitions at Arles are no less important than those on the program. The Luma Arles is museum and art center (worth a day’s visit) is presenting “Constellation,” an unforgettable exhibition of Diane Arbus’s entire oeuvre marking her centennial. The 454 photographs, some on view for the first time, were printed by Neil Selkirk, her student during her last year of life and the only person authorized to print copies of her works.

Curator Matthieu Humery hung the photographs on an irregular metal grid so that while looking at one photograph one eye is attracted to other works, people in the exhibition, and a huge mirror covering the entire wall facing the entrance, which leaves no choice but to see oneself in the forking paths in the space offering infinite possibilities of reflection.  Arbus used to wander through the streets of New York City, taking pictures. Many did so before her, but her work bears a unique tone of empathy. The impression from Arbus’s exhibition remains long after leaving, whether it is the gaze from identical twins, the stooped giant with his parents in a low-ceilinged living room, or the heavily made-up glassy-eyed women holding dogs, or a young man wearing US military and nationalist insignia on his lapel, soon to be cannon fodder in the war in Vietnam.

Rencontres d’Arles through September 24, 2023.
Photos by Smadar Sheffi unless  otherwise stated .

Posted in Evants, צילום | Tagged , , , , , , | Comments Off on פסטיבל הצילום בארל,  Rencontres d’Arles, 2023

בינונית, מאכזבת ומפתיעה – תערוכות בוגרי לימודי אמנות בשנקר, במנשר ובסמינר הקיבוצים.

English follows Hebrew 

בינונית, מאכזבת ומפתיעה  – , בסדר הזה,  תערוכות בוגרי לימודי אמנות בשנקר, במנשר ובסמינר הקיבוצים.

Noam Sitruk 2023
smkb

                                                                                      ***                                                                            חוט של לאות משוך השנה על תערוכת  ביה”ס לאמנות רב תחומית בשנקר (שכבר ננעלה). כמה הבלחות הצדיקו את הביקור אבל לאחר צפייה, הטקסט של ד”ר שחר פרדי כסלו, ראש בית הספר המתנוסס בכניסה נקרא כניסיון להנמיך ציפיות:

אף שלא לגמרי ברור לאן ממשיכים עם תואר באמנות, דבר אחד אפשר לומר: מי שהצליח להשיל מעליו את המובן-מאליו; לגלות רעיון ששווה לפתח; ולחלץ ממנו דבר-מה בהיר ומובחן, שניתן להציג ברבים – הגיע להישג. מי שיכול לעשות משהו לא-בנאלי הוא משאב נדיר – בתוך מסגרות האמנות, ומחוצה להן.”

אז לא, רוב העבודות לא התרוממו מעל לבנאלי  וכן, עבודות כאלו אכן נדירות.

Oz Wirth, 2023 Shenkar

בין העבודות, הלא רבות, שבלטו לטובה המיצב “אפידרמיס” של עוז וירט  היוצר שפה איקונוגרפית שלא חוששת מחגיגיות מסוימת וגדושה בפנטזיה – החומרים של חלומות וסיוטים: נוצות טווס גדולות  שמצוירות על דגל הנראה לקוח היישר מאיור מימה”ב, ועל מניפת ענק.  חופה אדומה על מגדל שברירי וזוג עיינים מצוירות באמייל. על שולחן מונחים היברידים של חי ודומם – קערות וקנקנים קרמיים, שאצבעות אדומות צומחות מהם.  ההשפעה של רונית ברנגה ניכרת אבל אפשר, במיוחד לצד עבודות הקנבס והבמבוק, לראות את הקשר לעבודות אמנות מוקדמות, אלו שתיוגן כארכאולוגיה משכיח לא פעם את איכויותיהן ההבעתיות.
“מתפס” מיצב של שיר כהן מוצלח.היא משתמשת בחפצים תעשייתיים מהסביבה הביתית שהיא מפקיעה מהפונקציה הקבועה שלהם. ההזרה, המשחקיות פועלים משגרים את החפצים למצב בינים, רוחות רפאים של המוכר. יתכן וויתור על הרישומים שתלויים לצד החפצים היה תורם לחיזוק המיצב.

Shir Cohen , 2023
Shenkar

עוד בולטים  “אחיזת עינים” מיצב וידיאו של נעה שמחיוף שחף ששואל על אחיזת עינים כפרקטיס באמנות ובעולם (קשה להיות יותר רלוונטי למציאות מאשר בנושא זה כשהמילה “פייק” מתגלגלת על כל לשון), וכן פיסול רך ורומן גרפי של מרגריטה גרצמן במיצב ששמו – Devastation   מתאר במדויק את העולם האפל, המאיים המתפורר שהיא מציגה.
לינוי אלבז עשור מציגה פיסול בקרטון המכוסה ציורים ברוח מודרניסטית (על כל הטווח שמפיקסו לפיליפ גסטון).  העבודות יוצאות דופן, חזקות ויהיה מעניין לעקוב אחריה. עוד בלטו  אדיר כהן ופרסקאות העימותים בין שוטרים למפגינים שציירה כריסטינה גורבצ’בסקיה  המתארים סיטואציות מארצות אחרות שמהדהות, למרבה האימה, את המתרחש מחוץ לכותלי האקדמיה.

                                                                             ***

 הביקור במנשר היה מאכזב.

Gal Avidov 2023
Minshar

חלק מהעבודות טוב היה לולא הוצגו כלל, וודאי לא תחת הכותרת של”בוגרים”. בין היותר טובות היו צילומי האדריכלות של גל אבידוב, שלמרות דמיונם לפרויקטים רבים מאד, ישראלים ובינלאומיים של צילום שכונות בניני רכבת שהדרם ניטל מהם, הרי עדיין ניכר בצילומים המטען האישי שאבידוב מבקש לטעת בהם – זיכרון ילדותו המטושטש.

בלטו גם עבודות של פנטביל אקלילו העוסק בזהות שהוא מגדיר כישראלי- אתיופי- יהודי  וכן עבודות סריגה ורישום של מאי מזר. היא יוצרת בסריגה, כך כתבה בטקסט הנלווה, כדרך ליצור חיבור ואינטימיות עם הצופה. בצניעות וישירות העבודות הדבר בהחלט מצליח.

***

מחזור הבוגרים הנוכחי בפקולטה לאמנויות של מכללת סמינר הקיבוצים  מבטיח ביותר. בשונה משתי התערוכות האחרות התחושה היא של עשיה סקרנית, מחויבת ותוססת. האצירה של מיכל בראור ניכרת. כדאי לבקר בתערוכה בזכות העבודות מצוינות ולאו דווקא בשל הרצון להתעדכן לגבי אמניות ואמנים חדשים.                                                                                                                     בגלריה בקומת הכניסה מוצגים שניים מהמייצבים הבולטים.  “תכסית” של נועם שתרוג הוא מיצב בו וידיאו  המתעד פרפורמנס, הקרנה ורישום. שתרוג עוסקת במונח “הבית” ולמרות אינספור התקדימים העבודה שלה מרשימה. חלק ממנה נעשה בשיתוף תלמידים משכונת שפירא, מסוג שיתופי הפעולה שלעיתים מובילים לפשרה באיכות לטובת מסר חברתי אך הדבר בהחלט אינו קורה במיצב זה. שתרוג משתמשת באדמה ובקוי רישום רזים בתבונה רבה.

Roza Igzaw 2023
SMKB

“חווה השלישית” של רוזה יגאזו,  פיסול ורישום העוסקים בקיום הנשי, במיתוס ובסיפור הגירה פרטי מתוך נרטיב ההגירה הכאוב של יהודי אתיופיה מרשים.  החומריות  של חול (שיגאזו גם משייפת ומדביקה לכדורים הנדמים כשיש) מחזקת את הנגיעה בקדום, בלא מפוענח . לצד הפסלים מצוירים על הקיר רישומים המספרים סיפור על אלימות כלפי קהילת יוצאי אתיופיה בשפה שנדמית תחילה כשפת סמלים אך מתחוורת כנהירה. יהיה מעניין לעקוב אחר עבודותיה הבאות.
תום פרסמן מציגה מיצב ווידיאו יפה של חלונות בהם היא עוסקת בארכיון המשפחתי. הנושא, שתמיד מעניין את העוסקים בו מוגבל מבחינת עניין לאחרים אם הקשריו הרחבים יותר אינם מפותחים. המיצב הוא מארג עשיר של תנועה ושליטה יפה במדיום כך שמסקרן לראות לאן פרסמן תיקח את היכולות הללו ואילו תכנים תיצוק.  ארכיון צילומים משפחתי שצויר מהווה את  העבודה “ניסיתי לשמור על הלבן נקי”. סידרת ציורי שמן קטנים מדגימים היטב עד כמה שאלת המדיה משנית לאותו גורם חמקמק של איכות. ללא וידיאו, או  כל כלי טכנולוגי אחר, וגם ללא הפקה מורכבת, העבודות נוגעות ישירות במתבוננ/ת.

Selam Mamush 2023
SMKB

בולטות  גם העבודות  של דנה אלוני שתלתה בפיר המדרגות צילומים מוגדלים לממדי ענק של חלקי גוף. כוחה של העבודה בעיסוקה בגוף שלה עצמה ובדרך בה היא מתכתבת עם פיסול מונומנטלי ומעלה בזיכרון את הקלוסוס המפורסם של הקיסר קונסטנטין מהמאה הרביעית לספירה. הפסל, ממנו שרדו חלקים, כולל הראש שגובהו כשנים וחצי מטר, כף הרגל הענקית, אחת הידיים, הפך ליצירה שמצוטטת שוב ושוב באמנות (לרבות בפופ אמריקאי ובעבודות עכשוויות של מאריציו קאטאלן). אלוני יוצרת קטעי גוף על נייר, תלויים רפים וללא נפח, ובהיפוך לתחושת היראה לפסלי ענק כאן כמו נוצרת , דווקא בשל הגודל, הזדמנות לאינטימיות.
שובל קלושינר מרתקת במיצב וידיאו ופיסול העוסק בדיסטופית ציד והישרדות עם הומור סלאפסטיק מסוים (חמאה נמסה מול מייבש שיער). קלושינר עושה פרפורמנס שלא ראיתי אך לאור  העבודות בחלל הוא וודאי מעניין.

Dana Aloni 2023
SMKB
Photo :Daniel Hanoch

סמינר הקיבוצים עד ל-6.8

הביאנלה בוונציה 2024 –
סיורים, הרצאות והכנת מסלול לטיול עצמאי.

הביאנלה תפתח באפריל 2024  תחת הכותרת ‘Foreigners Everywhere’.
לקבלת מידע על:
אפשריות סיור איתי בוונציה בהרכבים שונים, הודעה על הרצאות המבוא שאתן בנושא,
והכנת מסלול סיור לנוסעות/ים עצמאיות/ים,
הצטרפו לקבוצת הוואטסאפ (הודעות ממני בלבד).
לקבלת לינק שילחו הודעה ל 0507431106

Claire Fontaine, Foreigners Everywhere (Italian), 2006.

Mediocre, disappointing, and surprising: The graduates’ exhibitions at Shenkar, Minshar, and the Kibbutzim College of Education (Seminar Hakibbutzim)

 The above adjectives apply respectively to the above institutions.

***

Fatigue seems to run through this year’s graduates’ exhibition at Shenkar’s Multidisciplinary Art School (an exhibition which has already closed). Several bright spots justified my visit, but after viewing it I read the text by the director , Dr. Shachar Freddy Kislev, emblazoned at the entrance, as an attempt to lower expectations:

Although it is not entirely clear where one continues with a degree in art, it’s possible to state one thing: whoever succeeded in divesting oneself of the obvious; of discovering an idea worth developing; and extract from it something clear and distinct that can be exhibited in public – that person has achieved something. Whoever can accomplish something that it not banal is a rare resource – within and external to art frameworks.”

No, most of the works did not rise above the banal, and yes, clear works are indeed rare.

Noa Simhayof Shahaf, Illusion. 2023 Shenkar

Among the few works that stood out was the installation Epidermis, by Oz Wirth, who created an iconographic language with no fear of a certain festive nature, overflowing with fantasy – materials of both dreams and nightmares – such as large peacock feathers painted on a flag which seems to have been taken directly from medieval illumination, and on a huge fan; a red canopy over a fragile tower and a pair of eyes painted in enamel; on the table were hybridized live and still lifes – ceramic bowls and containers with red fingers growing out of them. Ronit Baranga’s influence is visible, but it is also possible to see the link to early art – especially when standing near the canvas and bamboo pieces. Labeling artworks as archaeological finds often makes one forget their expressive qualities.

Shir Cohen’s installation is engaging : she uses industrial objects from the domestic sphere  whose functionality is cancelled out. The alienation and playfulness transport the objects into an intermediate space, as ghosts of the familiar. It is worthwhile considering whether removing the drawings hanging alongside the objects would help make the installation stronger.
Other good pieces were Noa Simhayof Shahaf’s video installation Illusion, questioning the use of illusion as a practice in art and in the world (hard to be more relevant  what with the word “fake” on everyone’s lips). With soft sculpture and a graphic novel, Margarita Gertzman’s installation Devastation precisely depicts a dark, threatening, crumbling world.

Linoy Asor Elbaz ת202
Shenkar

Linoy Asor Elbaz is displaying sculptures made of cardboard covered by paintings in a Modernist spirit (ranging from Picasso to Philip Guston). The works are unusual and strong – another artist  to watch. Other interesting works that were rugs and objects by Adir Cohen, and Christina Gorbachevskaya’s frescoes of confrontations between  police and demonstrators that resonate what is going on beyond the walls of the academy, to our horror.

***

Minshar was disappointing.

It would have been better not to hang some of the works, and surely not under the title “Graduates.” Among the better works were Gal Avidov’s architectural photographs, which despite similarity to many Israeli and international photographic series depicting projects that fell into disrepair, his works still show the personal charge he seeks to reflect – his blurred memory of childhood.  Fentabil Aklilu engages in an identity he defines as Israeli-Ethiopian-Jewish identity. Mai Mazar exhibited works of crochet and drawing, which she explained was her way of creating connection and intimacy with the viewer. They definitely are successful in their modesty and directness.

***

The current graduating class of the Faculty of Arts, Kibbutzim College of Education, is promising, with intriguing, stimulating works well  curated by Michal Baror. Its well worth  a visit not  just to see the new artists joining the ranks .

In the entrance level gallery are two of stand-out installations: Noam Sitruk’s Land Cover, with a video documenting a performance, screening, and drawing. Sitruk’s work engaging in the concept of “home” is impressive despite numerous precedents. Part of the installation was made in collaboration with schoolchildren from the Shapira neighborhood. Such activities may lead to compromise on quality in favor of a social message, but this is not the case here.

Shoval Kalushiner 2023
SMKB

Roza Igzaw’s impressive sculpture/drawing installation The Third Eve, engages in women’s lives, myth, and a personal emigration history , part of the painful collective narrative of the emigration of Ethiopian Jewry. The materiality of the sand  reinforces her touch upon the primeval and undeciphered. Alongside the sculptures are wall drawings telling the story of violence against the Ethiopian community in a language that at first looks like symbols, but turns out to be clear. It will be interesting to follow her.

Tom Presman’s beautiful video of windows addresses her family archive a topic with limited  interest as its  broader associations are not developed here. The installation is a rich fabric of movement and remarkable control of the medium.

I tried to keep the white clean is a series of small oil  paintings by Selam Mamush comprises ,  without video or any other technological tool, without a complex production, the works touch the viewer directly.

Dana Aloni’s works also stand out: photographic prints of body parts enlarged to a huge scale hang in the stairwell. The power of the work lies in the engagement in her own body, while in dialogue with monumental sculpture, bringing to mind the Colossus of Rhodes built by Emperor Constantine in the 4th century CE. Parts of the sculpture survived, including a 2.5 m head, a huge foot, one of the hands, transformed the statue into an artwork quoted numerous times in art (including American Pop Art and contemporary works by Mauricio Catalan). Aloni creates sections of the body on paper, hanging limply  without volume, and in contrast to the feeling of awe when facing giant sculptures auch as the colossus here it seems that it is because of the large size that the pictures provide an opportunity for intimacy.

Selam Mamush 2023
SMKB

Shoval Kalushiner is showing a fascinating video and sculpture installation engaging in the dystopia of hunting and of survival, using slapstick humor (melting butter with a hairdryer)..

Kibbutzim College of Education Faculty of the Arts, Ahad Ha’am 9, Tel Aviv, through August 6, 2023

Posted in Evants, פיסול ומיצב, ציור, צילום | Tagged , , , , , | Comments Off on בינונית, מאכזבת ומפתיעה – תערוכות בוגרי לימודי אמנות בשנקר, במנשר ובסמינר הקיבוצים.

האלביתי, המטלית והגעגוע – נאהד אבו אלהיגא חמזה | Unheimlich, longing, and the cloth | Nahed Abo Alhega Hamza

English follows Hebrew

הרישומים של נאהד אבו אלהיגא חמזה מצוירים על בדים מהספֵרה הביתית: מטלית רצפה, וילון, ציפה, סדין. הטקסטיל הביתי מתקשר בתודעתנו לניקיון, לאינטימיות, לנוחות, לבנייה של מקום מרופד, פיזית ומטאפורית, בו אין צורך להיות במגננה; בית ידידותי, בית שהוא גם מושא געגועים, מקום שזיכרונו הפיזי מגלם בתוכו זיכרונות משפחה וזמן שעבר. ועם זאת, קיימת הידיעה שבית עלול להפוך זירה ליחסים קשים ואף לאלימות, מרחב שהוא בגדר כלא ואינו מפלט מהסערות החיצוניות. האמביוולנטיות בין הביתי למאיים התנסחה כמושג מוכר בעקבות “האלביתי”, מאמרו של זיגמונד פרויד שפורסם ב-1919[1]. אלביתי הוא תרגום המושג הגרמני Unheimliche, העומדת מנגד למילה heimliche, המקפלת בתוכה משמעויות אחדות, ביתי, נעים וגם סוד, ומתחברת עם המילים בגרמנית לבית ומולדת. תחילית השלילה Un למילה heimliche מטעינה אימה ופחד ובעיקר מוזרות, כזו הנוצרת כשפוגשים איום דווקא במקום בו אין מצפים לכך.

Nahed Abo Alhega Hamza, Untitled, Black and blue pen drawing, stitching, fabric, 144×163 cm, 2021

בעבודות של אבו אלהיגא חמזה נוכח המפגש בין הביתי והיפה ובין האימה והעצב. גוף העבודות שבתערוכה נוצר לאחר מותה של אימה של אבו אלהיגא חמזה ב-2019. הפרידה מהאם הובילה להתבוננות במרכיבים של “בית” על כל חלקיו ולקריאה מחודשת שלהם. העבודה על מטליות הרצפה מרתקת. אבו אלהיגא חמזה לוקחת חפץ הנחשב לנמוך ומתמירה אותו. מה שמשווק כ”מטליות רצפה איכותיות”, סמרטוטי רצפה צבעוניים מבדי מיקרופייבר, הופך מצע לרישומים. בעט היא רושמת חלקי גוף וחלקי חיות, ישויות קטועות ופצועות ופראיות, על מה שהוא דימוי לכניעה והתבטלות ועם זאת יש בו פוטנציאל של גאולה, של שינוי מצב מלכלוך לניקיון. ההיברידי, הצירוף של חי וחפץ או חי וצומח, יוצר מצב ביניים, מצב שלישי. וכפי שאנו קוראים בבית הפיזי משמעויות שהן מעבר לחומרים מהם הוא בנוי, הרי הדימויים המורכבים של אבו אלהיגא חמזה מסמנות את אותם יחסים מורכבים שיש לנו עם החפצים המקיפים אותנו והמשמעויות הסימבוליות בהן הם נטענים. עבודותיה מתכתבות עם תנועות אמנותיות ורעיוניות מהדאדא דרך הסוריאליזם ועד לדימויים בשדה המדע הבדיוני.

שלוש מטפחות רקומות מחתונת הוריה נותרו משך שנים מקופלות באריזתן המקורית, שומרות על רוח החגיגיות וההדר של האירוע. על כל מטפחת יצרה בעט שחור רישום של יד וחלון, ובכל פעם משתנה היחס ביניהם, והפרחים הרקומים הקטנים הופכים לחלק מהקומפוזיציה. היד היא כף יד סגורה למחצה, כמו חופנת דבר מה לא-נראה, ופעם היא בתוך חלון, פעם גדולה ממנו ופעם מרוחקת. הזיכרון כמו מנסה להתקבע, אך תמונה מדויקת חומקת, נמסה כמו קווי המתאר של החלון המצויר. אבו אלהיגא חמזה משמרת את הקפלים של המטפחות ומשתמשת בהן – הקפלים שבמשך השנים התקשו וסומנו בכתמי זמן. הקפלים שהיא מקפידה לא ליישר יוצרים גריד, רשת זיכרונות חמקמקה, סימן של תקוות, של תמימות, הבטחה שנשמרה באריזה ללא שימוש.

Nahed Abo Alhega Hamza, Untitled, Pen drawing on floor rag, 52×78 cm, 2022

רגשות עזים, אלימות, כאב וחרדה מתנקזים לדיוקן גדול המצויר בעט בשחור וכחול ותפור לבד אדום. הדיוקן נגזר מבד אחר ונתפר בתוך רקמה. מבט מקרוב מגלה שהדיוקן מורכב מידיים, מפרטי אדריכלות כמו חלונות ודלתות, ממה שנראה כשרירים משורגים, צמחים, עצמות, אולי מים זורמים. זו עבודה שהקשריה בתולדות האמנות מביאים אותנו למקורות

Nahed Abo Alhega Hamza, My Mother’s Wedding Handkerchief, Pen drawing on handkerchief, 25×25 cm, 2021

מוקדמים יחסית, כמו הדיוקנאות של ג’וזפה ארצ’ימבולדו (Giuseppe Arcimboldo) האיטלקי מהמאה ה-16 ועד לעבודות של גאורג גרוס (Georg Groß ) הגרמני בשנים בין מלחמות העולם, שיצר דיוקנאות מחרידים שנבעו מהתבוננות בפצועים הרבים של מלחמת העולם הראשונה. הגעש הפנימי של נפש שסועה ומורכבת נוכח בעבודה בעוצמה מצמיתה.

עבודותיה של אבו אלהיגא חמזה תלויות כך שחלקן התחתון משוחרר, לא מוצמד לקיר. היא משמרת בהן תנועה, פגיעות וכך גם חיים. בבדים ובדימויים שאת פרטיהם קל לזהות נוצר האלביתי, המאיים מתוך המכלול.

[1] קדם לו מאמרו של ארנסט ינטש, “לעניין הפסיכולוגיה של האלביתי”, שפורסם ב-1906.

מייסדת CACR ואוצרת : ד”ר סמדר שפי
המרכז לאמנות עכשווית רמלה . עד 14 יולי 2023 

הביאנלה בוונציה 2024 –
סיורים, הרצאות והכנת מסלול לטיול עצמאי.

הביאנלה תפתח באפריל 2024  תחת הכותרת ‘Foreigners Everywhere’.
לקבלת מידע על:
אפשריות סיור איתי בוונציה בהרכבים שונים, הודעה על הרצאות המבוא שאתן בנושא,
והכנת מסלול סיור לנוסעות/ים עצמאיות/ים,
הצטרפו לקבוצת הוואטסאפ (הודעות ממני בלבד).
לקבלת לינק שילחו הודעה ל 0507431106

Claire Fontaine, Foreigners Everywhere (Italian), 2006.

Unheimlich, longing, and the cloth | Nahed Abo Alhega Hamza

Curator: Dr. Smadar Sheffi     CACR, Ramle 

Nahed Abo Alhega Hamza’s drawings are on domestic textiles (floor rags, curtains, pillowcases, sheets) associated with cleanliness, intimacy, comfort, a physically and metaphorically cushioned space. A friendly home, the object of longing, embodies family memories and time past. And yet, the possibility looms that it may become an arena for violent relations. The ambivalence between “homey” and threatening was formulated by Freud as the Unheimliche, rendered into English as the “uncanny.”[1] “Homey” enfolds associations of unity, pleasant domesticity as well as secrecy, connected to the German words for “home” and “homeland.” The German negative prefix charges the word with terror and strangeness, evoking the sensation of facing a threat in the most unexpected place.

Nahed Abo Alhega Hamza, Untitled, Pen drawing with bloodstains on fabric, 77×80 cm, 2022

Abo Alhega Hamza’s works make present an encounter between the beautiful homeyness with terror and sadness. The current corpus evolved after the artist’s mother passed away in 2019, leading her to observe and re-read “home” and its components. In a fascinating process, she took colorful floor rags with their “low” connotations and transformed them from “high-quality microfiber floor wipes” to surfaces for pen drawings. Drawings of fragmented human and animal body parts appear on the floor rags – symbols of surrender and erasure of self which still possess the potential of redemption from a state of filth to cleanliness. The hybrids of live and artificial, of plant and animal, create a third, intermediate state. Similar to reading meanings into a physical home beyond its construction elements, Abo Alhega Hamza’s intricate drawings signify our complicated relationships with objects and their symbolic meanings. Her works correspond with art movements from Dada to Surrealism to science fiction.

Three embroidered handkerchiefs from her parents’ wedding remained folded in their original wrapping, preserving the event’s festive glamor. Each bears a black ink drawing of a hand and window in differing proportions, their small embroidered flowers becoming part of the composition. Memory seems to attempt to fix the picture in the mind but it eludes the artist, melting away like the windows’ contours. Abo Alhega Hamza preserves the hardened folds as a grid of memories, hopes, innocence, and promises.

Strong emotions, violence, pain and anxiety flow into the large black and blue ink portrait cut out and embroidered on to red fabric. A close look shows its composition from hands, architectural details, intertwined muscles, plants, bones, or perhaps flowing water. The art historical associations refer to early sources such as Arcimboldo’s works from 16th century Italy through Georg Groß’s paintings inspired by horrific images of the many German wounded WWI veterans.

The works, hanging freely from the wall, preserving movement, vulnerability, and vitality, contain an uncanny streak emanating from her oeuvre.

[1] Freud’s The Uncanny” (1919) was preceded by Ernst Jentsch’s “On the psychology of the uncanny” (1906).

Unheimlich, longing, and the cloth | Nahed Abo Alhega Hamza
Curator: Dr. Smadar Sheffi

Posted in ציור | Comments Off on האלביתי, המטלית והגעגוע – נאהד אבו אלהיגא חמזה | Unheimlich, longing, and the cloth | Nahed Abo Alhega Hamza

סמדר שפי, החלון, אומנות ישראלית, אמנות ישראלית, Smadar Sheffi, The Window, Israeli Art