תומר ספיר: אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר | סרטי האמנות המבטיחים בפסטיבל אפוס 2023

+2

English follows Hebrew

המהלך של תומר ספיר במיצב “אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר” (אוצרת: אירנה גורדון) מרשים. עם יריעות בצבעי זהב וכסף, באור תכלכל, בזוהר ובגועל במידות שוות ספיר יוצר סביבה בארוקית מוכרת וזרה. העבודות נעות בין רמיזות למיתוסים מוכרים, המצאת מיתוס פרטי והתייחסות נכוחה למציאות כדור הארץ כסביבת חיים הולכת ומשתבשת במהירות מעוררת אימה. כותרת התערוכה, “אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר”, במידה רבה המוטו שלה,  נאמרה על ידי  בתו של ספיר, תמרה. הבחנתה בצרצור צרצר בבוקר תל אביבי, כלומר בשיבוש בסדר הטבעי, עומדת בליבה.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

ספיר ממשיך למצוא סימני פענוח לעולם בחיי משפחתו, מיקרוקוסמוס שכבר עמד במרכז התערוכה ״משהו קרה לנו אבא״ שהציג בגלריה שלוש ב 2017 באצירת בן זוגו אבי לובין. שם התערוכה בשלוש היה משפט שאמר בנו, נמרוד, אחיה התאום של תמרה. העניין במשפחה, בזרמים העמוקים של שארות, בקשרים פסיכולוגיים נכח גם ב”קיקלון” התערוכה של ספיר שאצרתי במוזיאון בית ביאליק ב 2019. בתערוכה שהייתה חלק מהפרויקט של אמנות/מחקר מורשת ביאליק ספיר עסק בשיר “אבי” והתמקד בשבר של דמות האב, בהזדהות וכאב של ילד על אביו המושפל.

Tomer Sapir – Kikalon
Bialik Museum. 2019 Curator Dr. Smadar Sheffi . (Photograph: Tom Porat).

הפקעת ששמה משפחה, קשרי הורים וילדים, קשרים בין אחים ובין תאומים, שאלות של תורשה וירושה (במובנים הסימבוליים ובמובנים החומריים) חוזרים בסיפורי מיתולוגיות ברחבי העולם, מניעים קוסמולוגיות (ניסיונות למצוא סדר ביקום) מהודו ועד מצרים ויוון. ספיר משתמש במשפחתו כאחד הקווים במה שניתן לחשוב עליו כקונטרפונקט חזותי : דימויי היומיומי, המקומי הישראלי – תל אביבי (גינת שינקין, חוג קפוארה, חומרי סידקית מפלסטיק וסתיו ישראלי) במקביל  לפיסול ספקטקולרי, התייחסויות למדע בדיוני, לגוטי, למסויט, לאפל.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

בניית מיתוסים של טבע דמיוני (יצורים וצמחים) מאפיינת את העבודה של ספיר כבר כשני עשורים. כאן הוא מתחבר  לשאלות של משפחה ובמיוחד לכפילות. התאומים, במקרה הפרטי תאומים לא זהים, בן ובת, מעלים את השאלות על מהות הכפילות, במיוחד היבטיה המאיימים – הכוונה למוטיב ה doppelganger, הכפיל המרושע על פי רוב של אדם חי, מוטיב שמערער על היכולת שלנו לזהות ולהכיר את האחר (שהרי לא נזהה שכפיל אינו המקור ) וגם את השאלה של מהות ההכפלה הלא זהה – זכר ונקבה ברא אותם.
הזיקה לעבודות אמנים בינלאומיים מעניינת וראויה לדיון: פרויקט הראווה Treasures from the Wreck of the Unbelievable שהציג דמיאן הירסט בוונציה  2017 עולה על הדעת וכך גם את חליפות הקול ( The soundsuits) של ניק קייב שתערוכתו מוצגת כעת בגוגנהיים בניו יורק. שני האמנים אמנם שונים אבל לשניהם משותפת היצירה של נוכחות גוף המדגישה אותו ככלי מנוכר וגם מופלא. בצופות והצופים הסובבים במרחב התערוכה, עולה תחושה שדבר מה רוחש, עולה, מעבר או תת מודע היסטורי. שלד דו ראשי של זכר ונקבה, שלד אחר שהוא ספק של אדם ספק של חיה שצמח אדום צומח עליו(או מתוכו?) וגם שלדי כלבים שמתגלים בהם אלמנטים אנושיים, מציעים אופציה לאבולוציה אלטרנטיבית, לסיוט דיסטופי שהשיבוש בו אנו חיים הופך ליותר ויותר אפשרי.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

הגופניות, היחס בין גוף הצופה לאזכורי הגוף במוצגים מלכדת את החלל הגדוש בווידאו קולאז’ים ואובייקטים עד סכנת התפרקות.   הוידיאו עוקב אחר שיעור קפוארה של נמרוד, לצד וידיאו בו תמרה מספרת סיפור המתחיל כתמים ונגמר כצופן בתוכו סודות: חלומות, שטן וגשם דם שמזכירים תיאורי אסונות כמו  מכות מצרים מתערבבים בדיבור על חוויות היומיום  ספיר מחדד את התחושה של קץ קרוב (מסורות של חניטה, וקבורה ופולחן מתים כולן נוכחות) וגם את המשיכה המורבידית שיש לאלו. המשחק בין עבר להווה, התחושה של צפיה בעתיד כפי שנראה בסרט מדע בדיוני ישן  מחזקת את התחושה הסמיכה, המעיקה של עולם היונק – טורף את עצמו פנימה ומותיר אחריו שרידים המסרבים להתפרק, לחזור למעגל “טבעי” שנחשב פעם לאינסופי. על הקיר ביציאה  מהתערוכה מופיע המשפט MOVING TO A FRIENDLY TERRITORY , כמו הצעה להמלטות, אך המשפט משובש. TERRITORY מופיע כ TERRSTOR , כלומר היעד הטריטוריה לא ברורה, אולי מהדהדת גם המילה TERROR , ומכל מקום דבר  אינו ידידותי בסביבה בה צרצרים מצרצרים בשעות לא להם.

מוזיאון פתח תקוה לאמנות
כל הצילומים : סמדר שפי

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

סרטים מבטיחים פסטיבל אפוס לסרטי תרבות ואמנות 2023

 לפני צפייה, כמה בחירות אינטואיטיביות/ מושכלות בסרטים מהפסטיבל  פסטיבל אפוס לסרטי תרבות ואמנות 2023:

חלוצת האמנות המודרנית – גבריאל מונטר
בימוי: פלורנס מאורו | צרפת, 2022 | 54 דקות

את מונטר, ציירת נהדרת ממנסחות האקספרסיוניזם הגרמני ובת זוגו של וסילי קנדינסקי בשנותיו במינכן  הכרתי בעיקר מעבודותיה במוזיאון   Lenbachhaus בעיר.  בשנות מלה”ע השנייה מונטר הסתירה ושימרה קבוצת עבודות חשובה ביותר שלה, של קנדינסקי ואמני הפרש הכחול,  בביתה הכפרי במורנאו, לא רחוק ממינכן . בשנות ה 60 תרמה את כולן למוזיאון.

מתגלות מחדש: פרק 1 + פרק 2 
בימוי: סוזן רדלהוף | גרמניה, 2021

למרות שיטפון הגילוי מחדש של אמניות נשים בעשור החולף נראה שיש עוד ועוד לגלות כך ששני הפרקים הם בבחינת צפיית חובה ממש. חלק מהאמניות שמופיעות מוכרות למדי , כך סוזאן ואלאדון, נטליה גונצ’רובה . אחרות כמו ג’ולי וולפטורן או קיקי קוגלניק כמעט נמחקו מהזיכרון הקולקטיבי.

_Kiki Kogelnik New York, ca. 1965©Kiki Kogelnik Foundation (1)

מרינה ואוליי: הסוף לא ידוע
בימוי: קספר בך דיג | דנמרק, 2022

המונח חשיפת יתר לא קיים ביחס למרינה אברמוביץ. האמנית שהיא אולי המתועדת ביותר הופכת כל שלב בחייה לחומר לאמנות/עוד תיעוד (וחידוד וחידוש בהגדרות מיצג) . השיחות שלה עם אוליי , מי שהיה שותפה ובן זוגה משנות ה 70 עד הפרידה המתקושרת על החומה הסינית ב 1988 .ודאי מרתקות . לאחר נתק של שנים, לרבות סיכסוך משפטי /מוסרי על הזכויות על עבודות, הם נפגשו והשלימו בעת התערוכה מיצג שלה “THE ARTIST IS PRESENT” ב MOMA ב 2010. אוליי עמד בתור לשבת מולה ונוצר רגע שאיאפשר שלא להתרגש מולו.

Marina&Ulay

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tomer Sapir,
But Why do I Hear the Crickets, it’s Morning. 2023

Tomer Sapir takes an impressive step forward in his installation “But Why do I Hear the Crickets, it’s Morning” (curated by Irena Gordon) is impressive. With gold and silver sheeting, bluish illumination, and equal measures of splendor and revulsion, Sapir creates a Baroque atmosphere which is both familiar and strange. The works range from familiar myths, invented private myths, and evident references to the current state of the Earth, an ecosystem that is rapidly and increasingly being disrupted. The installation’s title and, to a great extent, its motto, comes from a question posed by the artist’s daughter, Tamara, who heard a cricket on a Tel Aviv morning, which is not the normal natural timing. Here lies the core of the exhibition.
Sapir continues to decode the world through his family life, a microcosm which was pivotal to his 2017 exhibition, “Something’s Happened to Us, Father” at the Chelouche Gallery, curated by his life partner Avi Lubin. The title came from a question by their son, Nimrod, Tamara’s twin brother. Sapir’s focus on his family, deepest layers of kinship and psychological ties, was present as well in “Kikalon,” his 2019 exhibition that I curated in the Bialik Museum, part of the research-based art project inspired by Bialik’s legacy. Sapir engaged in Bialik’s poem “My Father,” focusing on his father’s humiliation and the child’s identification with his pain.
All that is embodied in “family” –parent-child bonds, sibling ties, twinship, issues of heredity and inheritance (in all its symbolic and material aspects) – recur in myths throughout the world, with their cosmological  motives attempting to find order in the universe. The way Sapir uses his family may be considered a “visual counterpoint”: images of the local Israeli Tel Aviv day-to-day life (Sheinkin Park, capoeira class, plastic sewing notions, and the Israeli Autumn) together with a a spectacular sculpture, references to science fiction, to the Gothic, to what is distorted and dark.
Building myths of imagined creatures and plants have characterized Sapir’s oeuvre for about two decades. Here he connects to family issues and especially to doubling. Twins, in this case fraternal twins of a boy and girl, raise issues of doubling and its threatening aspects – the motif of the doppelganger, the “shadow” double, usually of a living person, which subverts the ability to identify and become familiar  with the “other” (since we cannot identify the double as not being the original). The question of the doubling of the dissimilar also arises – “male and female He created them.”
Associations to international artists are interesting: Damien Hirst’s ostentatious project “Treasures from the Wreck of the Unbelievable” installed in Venice in 2017 comes to mind, as well as Nick Cave’s “Soundsuits,” currently in the Guggenheim, New York. Although the two artists differ, they share the presence of the body and emphasize it as an alienated instrument which is also marvelous.
The audience at the exhibition seemed to feel that they were catching a glimpse of a kind of historical unconscious. A two-headed skeleton of a male and female,  another of an ambiguous creature with a red plant growing out of it, skeletons of dogs with some human elements together suggest an option for alternative evolution, creating a dystopian nightmare in which the disruption in which we live is becoming increasingly possible.

The physicality, the relationship of the viewer’s body to the reminders of the body in the exhibitions, unifies the space loaded with video collages and objects seemingly on the verge of disintegration. A video film of Nimrod’s capoeira class is installed alongside a video in which Tamara tells a story which begins as innocent and ends with seemingly coded secrets: dreams, a devil, a rain of blood, similar to descriptions of disasters such as the Ten Plagues, are mixed in with conversations about daily life.  Sapir intensifies the feeling of approaching apocalypse with burial traditions, hints of mummies, and rituals surrounding death omnipresent, as well as the morbid attraction to them. The play between past and present, expecting the future as depicted in an old science fiction film, reinforces the oppressive sensation of a world tearing itself apart, leaving behind remnants that refuse to deconstruct, to return to a “natural” cycle once thought to be infinite. On the wall as visitors exit the exhibition there is a sign that looks like an escape sign, but instead of reading, “Moving to a friendly territory,” it states, “Moving to a friendly terrstor.” The territory is unclear, and perhaps resonates the word “terror.” In any case, nothing is friendly in an environment in which crickets are heard at an abnormal hour of the day.

Petach Tikva Museum of Art
Photographs: Smadar Sheffi

 

EPOS Art Film Festival 2023

Here are several of my intuitive/logical picks from the forthcoming Festival:

Gabriele Münter – Pioneer of Modern Art

France, 2022 | 54 minutes
Director: Florence Mauro

Münter was a wonderful painter, one of the artists who shaped German Expressionism, and Kandinksy’s partner during his years in Munich. I became familiar with her oeuvre mainly from the works in the city’s Lenbachhaus Museum. During World War II, Münter concealed her most important paintings and works by Kandinsky and the Blue Rider group in her country house in Murnau, not far from Munich, thus saving them. In the 1960s she donated all of the works to the Museum.

Gabriele Münter – Pioneer of Modern Art

Lost Women Art: Part 1+ Part 2

Germany, 2021 | 52 minutes (each)
Director: Susanne Radelhof

Despite the flood of rediscovered women artists over the past decade, it seems that there are more and more to discover. The two parts of this film are a “must.” Some of the artists spotlighted are over-familiar, such as Suzanne Valadon, and Natalia Goncharova, but others, such as Julie Wolfthorn or Kiki Kogelnik have almost been erased from collective memory.

Marina Abramović & Ulay: No Predicted End

Denmark, 2022 | 96 minutes
Director: Kasper Bech Dyg

The concept of “overexposure” does not exist for Marina Abramović, who is perhaps the most documented artist ever. She turns every stage of her life into art or another documentation (sharpening and reinventing the definition of the installation). Her conversations of her former partner in life and art since the 1970s through their documented and publicized separation on the Great Wall of China in 1988, are probably fascinating. After not speaking for decades, including a legal dispute over the moral right to the copyright of the artworks, they made peace with each other in Abramovi’ć’s performance at MOMA in 2010, “The Artist is Present.” Ulay stood in line to sit opposite her, creating a moment that cannot fail to excite.

ReplyForward
+2
Posted in Evants, וידיאו, מייצג, פיסול ומיצב, ציור | Tagged , , , , | Comments Off on תומר ספיר: אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר | סרטי האמנות המבטיחים בפסטיבל אפוס 2023

רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט | Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

+2

English follows Hebrew

נשים הן הגיבורות הראשיות במרבית עבודותיה של רותי הלביץ כהן. דמויותיהן נשענות על מקורות קמאיים – מיתולוגיות וסיפורים – ועל הגלגולים והעיבודים של אלו באמנות ובתרבות הפופולרית דוגמת סרטי וולט דיסני. יצירותיה האינטנסיביות, לעיתים באורח קשה, מספרות סיפורים, סיוטים, חלומות ואגדות. הן אומרות שירה ומשמיעות זעקה כישויות עצמאיות שמחפשות את דרכן בעולם.

Ruthi Helbitz Cohen
Leather dress and black head, 2022

בלב התערוכה “ואז יבוא השקט” מיצב העשוי שלוש עבודות רישום וקולאז’ על בדי ענק (כל אחד בגובה של כשישה מטרים), היוצרים חלל בתוך החלל ומסמנים רחבה דיפוזית. על הרצפה פזורות מראות אליפטיות מוכתמות ומצוירות, המשקפות בו-זמנית את העבודות ואת הצופה ומחברות לדימוי אחד נזיל ומשתנה, אמנות וחיים.

המיצב משרטט יקום כאוטי: במרכזו “שעון החול”, דמות אישה המחזיקה שעון חול בזרועה האחת בעוד הזרוע השנייה מסומנת בקווים דקים, שמאחד מהם יוצא ספק לב, ספק עובר, ומה שאמור להיות מוגן הופך מופקר. עבודות של פרידה קאלו, כמו “בית החולים הנרי פורד” מ-1932 ו”שתי פרידות” מ-1939, עולות על הדעת בגלל הסבל היוקד ובשל השימוש בשפה סימבולית ישירה – לב ועובר.

Ruthi Helbitz Cohen
The Hourglass
2019

ב”אקוודוקט” מרחפת ציפור ענקית מעל גופות נשים זקופות ערופות ראש. הציפור, ספק עיט ספק נשר, מזכירה סמלי שלטון של משטרים דורסניים שנשים הן בדרך כלל מקורבנותיהם המובהקים. אמת המים, שעצם תפקידה הוא לאפשר חיים, מפורקת כליל. ב”חלב ודבש וחלב” פרחי ציפור גן עדן, שלד לצד לב ואיברים פנימיים מרחפים-רוקדים על הבד – גרסה עכשווית ל”ריקוד המוות ” (Danse Macabre), אלגוריה מימי הביניים על האוניברסליות של המוות.מתוך העבודות עולות פנים רבות של קיום נשי: אימהות, יופי, חשש תמידי מקמילה וצל מתמיד של שכול ואלימות. הדמויות עדינות ופריכות ועם זאת חזקות ולעיתים, כמו ב”שעון החול”, מלכותיות. בדי הענק שעליהם נוצרו מתקשרים למסך תיאטרון, אחת המטפורות השגורות, שאינה פחות נכונה בשל כך, לעולם.

Ruthi Helbitz Cohen
Bluebell
2022
Ball point pen, ink, coffee, on calligraphy paper, 100 X 180 cm
(detail)

מפגש הכתמה ורישום מתרחש בעבודות “פעמונית” ו”מאטה הארי”, דיוקנאות נשים בהם כתמים מרהיבים וקווים כמעט נעלמים. הדמויות הן נשים ששמן נקשר לאגדות. פעמונית הוא שמה העברי המקובל של רפונזל מאגדות האחים גרים, שמכשפה כלאה בארמון והקשר היחיד שלה לעולם הוא דרך צמתה המשתלשלת מהמגדל שבו נכלאה. “מאטה הארי” היה שם הבמה של רקדנית ודוגמנית הולנדית שהורשעה בריגול לטובת גרמניה במלחמת העולם הראשונה, ספק אם בצדק, והוצאה להורג.

לראשונה מציגה הלביץ כהן צילום מבוים. בצילומים מתעטף תומר ספיר, אמן וחבר, בבגד נייר המופיע ב”שעון החול”, העבודה האמצעית במיצב המרכזי. השמלה, מגזרות מצוירות של חלקי גוף, עדינה מאוד ועם זאת מחרידה. שמלת הנייר מכסה את ספיר כפקעת המכסה על גולם שהופך לפרפר. המפגש של גוף גברי עם שמלות הנייר של הלביץ-כהן יוצר רגע השואל על מגדר וכוח, ובעיקר על עצם היכולת שלנו להבין ולהזדהות. הצילום מנציח פעולה ומפקיע אותה מרצף הזמן.

ביוזמת המרכז לאמנות עכשווית בשיתוף הבית הפתוח ומרכז רוסינג ערכה הלביץ-כהן מספר סדנאות ויצרה יחד עם נשים מקהילות מגוונות את העבודה “זהרורי יופי”, המוצבת בבית הפתוח ברמלה במקביל לתערוכה. בסדנאות יצרו המשתתפות דמעות נייר וכתבו עליהן מחשבות, שאלות וסיפורים קצרצרים. הדמעות מודבקות זו לזו, מערסלות סודות.

בעוצמה והתרסה לצד חשיפה, פחדים וחששות, הנשים של הלביץ-כהן מחפשות תשובה, אולי מפלט.

ואז יבוא השקט.

רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט
אוצרת ד”ר סמדר שפי
המרכז לאמנות עכשווית רמלה CACR     התערוכה תנעל ב 3 מרץ , 2023

 

Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

Ruthi Helbitz Cohen’s works focus on issues of femininity, gender, equality, and cultural structures of women’s images. Her figures are based on primordial sources – mythologies and stories – and on their various incarnations in art and popular culture, such as Walt Disney films. Helbitz Cohen’s intensive artworks narrate stories, nightmares, dreams, and legends – at times painfully. These images are seemingly vocal, as if reciting poetry, screaming, and murmuring utterances, acting as independent entities seeking their pathway through the world.

Three large works combining drawing and collage form the core of the exhibition. The huge fabric sheets (each about six meters high) create a space within a space, demarcating a diffused area. Elliptical mirrors, stained and painted, are placed on the floor, simultaneously reflecting the artworks and the viewer, connecting life and art in one ephemeral image.

The installation delineates a chaotic universe: at its center is an Hourglass, the figure of a woman holding an hourglass in one arm while her second is marked with thin lines. What may be a heart or perhaps a fetus emerges at the end of one of these lines, creating a conspicuous awareness that what should be protected is exposed. Henry Ford Hospital (1932) and The Two Fridas (1939), two masterpieces by Frida Kahlo, come to mind with their use of direct symbolic language – heart and fetus.

A huge bird hovering over bodies of beheaded women is the central image in Aqueduct. The vulture or maybe an eagle brings to mind symbols of repressive regimes which usually victimize women. The aqueduct, whose function is to enable life, is entirely broken down. In Milk and Honey and Milk, Bird of Paradise flowers (Strelitzia reginae) stand by a heart and internal organs hovering over the canvas in a contemporary version of the Danse Macabre a medieval allegory about the universality of death.

These artworks reflect facets of feminine existence arise: motherhood, beauty, constant fear of withering and a constant shadow of bereavement and violence. Notwithstanding the figures’ gentleness and fragility, they are formidable and sometimes royal, as in The Hourglass. The fabric evokes a theatre curtain, a common metaphor that is fitting.

Ruthi Helbitz Cohen
Leather dress and black head
2022
Photograph, 50 X 90 cm

Lines and patches of color compose Bluebell and Mata Hari, portraits of women whose names are associated with legends.  Bluebell is the commonly accepted Hebrew name for Rapunzel from the Brothers Grimm’s fairy tales, whom a wicked witch imprisoned in a castle. Communication with the outside world was through her long braid descending from her prison tower. Mata Hari was the stage name of the Dutch exotic dancer accused of spying for Germany in World War I and executed,

For the first time, Helbitz Cohen is exhibiting a staged photograph: Tomer Sapir, artist and friend, is seen in the photographs enveloped in a paper dress taken from the Hourglass, the active installation. The dress made of painted cutouts of body parts, is very delicate yet terrifying. The paper dress covering Sapir seems to be like the cocoon encasing a chrysalis which becomes a butterfly. The interface between the male body and between Helbitz Cohen’s paper dresses raises issues of gender and power, and our ability to understand and identify. The photograph commemorates an action, extracting it from the time continuum.

Ruthi Helbitz Cohen
Mata Hari
2022
Ball point pen, ink, coffee, on calligraphy paper, 100 X 180 cm

On the initiative of the Contemporary Art Center Ramle-CACR, in association with the Open House in Ramle and the Rossing Center for Education and Dialogue, Helbitz Cohen conducted workshops for women from diverse communities. Together they created the piece “Radiant Beauty,” installed in the Open House in Ramle simultaneously with the exhibition. In the workshops, participants made paper tears and wrote down their thoughts, questions, and short stories. The tears are pasted to each other, cradling secrets.

With intensity and challenge, with exposure, fears, and doubts, Helbitz Cohen’s women seek answers, perhaps refuge.

                                                             And then the silence

Curator: Dr. Smadar Sheffi
Contemporary Art Center, Ramle – CACR

+2
Posted in פיסול ומיצב, ציור | Tagged , , , , , , , , , | Comments Off on רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט | Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

Anna Hayat & Slava Pirsky – Rifts, Joints, and Rifts |אנה חייט וסלבה פירסקי – קרעים וחיבורים וקרעים

+1

English follows Hebrew 

העבודות של אנה חייט וסלבה פירסקי יפות מאוד. אלו צילומים שמודפסים על בד, חלקם קרעי צילומים תפורים ביד, ואחדים גם רקומים בחוטים משתפלים. הדימויים התפורים, המאוחים-מתפרקים, מוצגים לראשונה בתערוכה זו. כאב העבודות מפעפע מבין התפרים כמו מגוף פצוע.

Anna Hayat and Slava Pirsky
Rose 2022
Mixed media, triptych on photographic paper, thread.103×39 cm

צמחי הבר ונוף ללא עקבות אדם, בראשיתי ככל שניתן היום לחשוב על נוף בלב הארץ, צולמו באזור העיר מודיעין, עיר מגוריהם של האמנים הסמוכה לרמלה. צילום גדילן, אחד הקוצים הנפוצים בארץ, נתפר על בד אוהל צבאי, כקולאז’ מצמית של צחיחות, תוגה והישרדות. בצילומים ניכרת התבוננות איטית וממושכת, ניגוד כמעט מושלם לים הדימויים המהירים והקופצניים שמפיקים טלפונים חכמים המנציחים את הזמן בקצב כמעט שווה למהלכו. הזמן עצמו הופך חומר, נוכחות נוספת בצילום, שמכילה עבר והווה.
משקלו של הזמן, דחיסותו, ניכר גם בעבודות שבהן פרחים מתורבתים, כמו האדמוניות בעבודה “מות מארה” או כמו ב”ורד” – פרח בודד העומד בפגז. בעבודות אלו הזמן וכוח הכבידה מכריעים את עלי הכותרת, שמשמרים רוך ואצילות כמעט-דקדנטית. חייט ופירסקי מהלכים קרוב לקלישאות ואינם נופלים לתוכן. דומה שהם מזקקים את הגרעין שבגללו דימוי או דבר הפכו לקלישאה ומאירים זאת מחדש.

Anna Hayat and Slava Pirsky
Tree, 2022
Mixed media   100×122 cm

הדיון בזמן הוא הנושא והמהות של העבודות. הצילומים עשויים במצלמות בפורמט גדול על סרט פולארויד מסוג שייצורו נפסק בשנת 2007. החומר הכימי שתוקפו פג מותיר על הדימוי כתמים אקראיים, המרמזים על התפרקות הדימוי העתידית ומסמנים אותה. המראה מזכיר במידה רבה צילום אנלוגי מוקדם, אך הוא גם שונה ממנו. בחלק מהעבודות חייט ופירסקי מוסיפים סולריזציה, חשיפה לשמש, שיוצרת גם היא תגובה בלתי צפויה בתשליל הצילומי. האקראיות הופכת אפוא לחלק מהאסתטיקה. האיכות המייחדת את עבודתם היא האופן שבו, לצד האקראיות, ניכרת השפעת הצילום המדוד, המדויק והעמוק של אנסל אדמס ואדוארד ווסטון, מהדמויות המשפיעות בצילום המודרני האמריקאי במחצית הראשונה של המאה העשרים. הצירוף של דיוק מחודד, של צילום ה”רואה” יותר מהעין, יחד עם ההשלמה והמקום הניתן לבלתי צפוי, הוא צירוף מרהיב.
תפירת הצילומים, מהלך חדש בעבודתם של חייט ופירסקי, החלה בהשפעת היכרות עם ה”קינצוגי”, טכניקה יפנית של ריפוי קרמיקה המדגישה קווי שברים, כלומר משמרת את ההיסטוריה של הכלי ולא מנסה להסתיר פגמים. השימוש בתפירה ורקמה בתוך צילומים יוצר עבודות הנעות בין דו-ממד לתלת-ממד, בין משטח חלק לפצוע. יצירת העבודות כשהיא לעצמה נעשתה במקביל למעקב הצמוד, החרד שלהם אחר המלחמה המתחוללת באוקראינה ומשפיעה ישירות על מהלך חייהם של קרובים וידידים. הרקמה, על החוטים הרופפים, התלויים, יוצרת תחושת דחיפות ופגיעות.
בשפה האמנותית שפיתחו חייט ופירסקי מאז החלו לעבוד יחד ב-1999 יש דיאלוג מתמשך בין צילום וציור. העבודה “מות מארה” מ-1793מתייחסת לעבודה La Mort de Marat של ז’אק-לואי דויד, הצייר הנאו-קלאסי הצרפתי,. בציור נראה ז’אן-פול מארה, ממנהיגי המהפכה הצרפתית, שנרצח בעת שהיה באמבטיה בביתו. דויד הקנה לציור שפה איקונוגרפית נוצרית (בעיקר דמיון לפסל הפייטה של מיכלאנג’לו מ-1499 המצוי בוותיקן). חייט ופירסקי יצרו עבודה בה זר אדמוניות מונח על צידו, כנוע כאילו הוכרע במאבק, וטלאים וחיבורים וחוטים פרומים משלימים את תחושת הייאוש המלנכולי העולה מהדימוי.

Anna Hayat and Slava Pirsky
Death of Marat, 2022
Mixed media. 75 x100 cm

העבודות אומנם תפורות, ובד בבד, החיבורים מדגישים את הדיס-אינטגרציה הבלתי נמנעת – התפרים והרקמה אוחזים את הדימוי כמתנגדים לכוחות גדולים יותר.

מייסדת ה CACR ואוצרת התערוכה ד”ר סמדר שפי
המרכז לאמנות עכשווית רמלה CACR

Anna Hayat & Slava Pirsky | Rifts, Joints, and Rifts

Anna Hayat and Slava Pirsky’s photographs are exquisite. Most are printed on fabric, some are fragmented and sewn by hand, while others are embroidered with threads flowing down. This is the first time that the duo is exhibiting sewn images which are simultaneously joined and breaking apart. They have an almost corporeal quality, their stitches seemingly throbbing with pain like a wounded body.


Anna Hayat and Slava Pirsky
Dry Flowers, 2022
Mixed media 73 x118 cm

Their photographs of wildflowers and empty primordial landscapes were photographed in the environs of Modiin, where the artists live, adjacent to Ramle. A photograph of wild thistles is sewn onto military tent canvas as a petrifying collage of aridity, grief, and survival. Time itself becomes matter, an additional element in the photograph that comprises past and present.
The density of Time is evident in works depicting flowers such as the peonies in Death of Marat or the single flower standing on a shell case in Rose. Time and gravity overwhelm the petals that preserve an almost decadent softness and nobility. Hayat & Pirsky do not succumb to cliché, but distill the core of clichéd images and objects and re-illuminate them.
The discourse on Time is a central motif and essence of their works. The photographs are made with a large-format view camera on Polaroid film stock no longer in production since 2007. The outdated chemicals leave random stains on the image, hinting at and signifying its future breakdown. The works resemble early analog photographs. Hayat & Pirsky add a touch of solarization to some of the pieces by exposing them to the sun, which creates an uncontrolled reaction. The uniqueness of their oeuvre lies in the way in which chance is present together with the influence of controlled, precise, intensive photography, such as by Ansel Adams and Edward Weston, two beacons of modern American early 20th century photography. The integration of acute precision, of photography that “sees” more than the eye, along with the acceptance and the place given to the unexpected, is magnificent.
Sewing the photographs, a new process for Hayat & Pirsky, followed their interest in Kintsugi – the Japanese art of “golden repair” of broken pottery. It emphasizes the joints, preserving the vessel’s history without attempting to conceal flaws. The use of embroidery and stitching in the photographs creates works between 2-D and 3-D, between smooth and wounded surfaces. The works resonate a sense of urgency and injury. They were made as the artists closely followed the war in Ukraine that  is directly impacting the lives of their friends and relatives.
The artistic language the duo developed since beginning to work together in 1999 conducts a continuous dialogue between photography and painting. The Death of Marat is a direct reference to French Neo-Classical painter Jean-Louis David’s La Mort de Marat (1793). The painting depicts Marat, one of the leaders of the French Revolution, murdered in his bathtub at home. David imbued the painting with Christian iconography (especially in its similarity to Michelangelo’s Pieta (1499), now in the Vatican). Hayat & Pirsky placed a wreath of peonies horizontally in a position of surrender as if defeated in battle, with patches, joints, and unraveled threads intensifying a melancholic feeling of despair arising from the image.

Anna Hayat and Slava Pirsky
Roses vs Rose, 2022
Mixed media 90 x 68 cm

Although the works are sewn, the joints emphasize their inevitable disintegration, as the stitches and embroidery seem to desperately hold an image resisting forces greater than itself.

Founder and Chief Curator: Dr. Smadar Sheffi
Contemporary Art Center Ramle – CACR

+1
Posted in צילום | Tagged , , , , , | Comments Off on Anna Hayat & Slava Pirsky – Rifts, Joints, and Rifts |אנה חייט וסלבה פירסקי – קרעים וחיבורים וקרעים

סמדר שפי, החלון, אומנות ישראלית, אמנות ישראלית, Smadar Sheffi, The Window, Israeli Art