The Autonomous Art Biennale at Gymnasia “Herzliya,” Tel Aviv:Experiments in Learning”   |התנסויות בלמידה – הביאנלה האוטונומית לאמנות בגימנסיה העברית ״הרצליה״ תל אביב

+3

 ENGLISH FOLLOWS HEBREW 

הביאנלה האוטונומית לאמנות בגימנסיה העברית ״הרצליה״ תל אביב היא אחד מאירועי האמנות המוצלחים ביותר שנערכו בארץ בשנים האחרונות. האוצר הראשי ד”ר רועי ברנד והאוצרות-שותפות: סנדרה וייל ורולא ח’ורי  העמידו תערוכה בהירה המשתמשת היטב בחלל בית הספר בו היא מוצגת, הן מבחינת ההצבה והן מהבחינה הרעיונית. הכותרת “התנסויות בלמידה” היא מטרייה רחבה לנושאי זיכרון, סביבה וחינוך, נושאים שהאקסטרפולציה שלהם נוגעת כמעט בכל תחום מחיינו. התרחשות הביאנלה כעת, בזמן בו מתבררת חשיבותו של חינוך אזרחי, ועד כמה הופקר בארץ בעשורים האחרונים, מוסיפה לה תחושת דחיפות. אמנם קלישאה אך היא חייבת להיאמר – הביאנלה האוטונומית לאמנות בגימנסיה ״הרצליה״ היא מקור לאופטימיות בימים הקודרים בהם אנו מצויים.
מבנה הגימנסיה מודרניסטי וחסר מעוף אך זו אדריכלות שקל להתמצא בה והניטרליות החזותית שלה מותירה את הבמה לאמנות (על ההיגד הרעיוני שלה יהיה מרתק לחשוב בתערוכה עתידית). הכיתות מהוות חללים סגורים למייצבים של אמנים יחידים והמסדרונות, אולם הספורט התיאטרון והחצרות מהווים חללים קבוצתיים.

The Autonomous Art Biennale at
Gymnasia “Herzliya” Tel Aviv – view of the entrance with Ester Schneider’s work

מתוכנית האירועים המבטיחה והפעילויות הרבות שנלוות לתערוכה הגעתי, עם ציפיות גבוהות מידי, רק להרצאה של רולא חורי על אמנות פלשתינית.  ההרצאה לא חידשה מעבר למה שכבר מוכר בדיון הישראלי המוגבל בנושא וחבל. בתחום ההתרחשויות רבות ומסקרנות, בעיקר במרכזי אמנות בשטחים הכבושים.
בנקיטת השם “ביאנלה” לתערוכה הנערכת בפעם הראשונה יש מידה של אופטימיות ויומרנות. תולדות האמנות הישראלית מלאות תערוכות שנקראו כך אך לא המשיכו מעבר למהדורה אחת או שתיים. שאלת האוטונומיה בה מתהדרת  התערוכה גם היא ראויה לדיון. מצוין בפרסומים שלא קיבלה מימון ציבורי אך היא נערכת בחללי מוסד שתקציביו, לפחות חלק ניכר מהם, ציבוריים. רשימת התורמים לאירוע כוללת את הא.נשים שבראש מערך הכוח של עולם האמנות הישראלי והדבר אולי תרם לשמרנות המסוימת השורה על התערוכה. אין כאן עבודה או עבודות שיהפכו לעבודות מפתח, לכאלו שיסמנו רגע ויציתו דיון או כיוון חשיבה חדש  אך מרבית העבודות מוצלחות כך שמדובר בתערוכה/אירוע שערכו עולה, מכל הבחינות, על סך חלקיו.
ב”להתחיל מחדש”, דינה שנהב כיסתה ריהוט כיתה סטנדרטי בברזנט שחור וציפתה את הקיר בדוגמא צמחית ירוקה ושופעת  והפכה את החלל למעין במה הממתינה למחזה. המלאכותיות הזועקת מדברת על הניכור המוחלט של הכתה-קפסולה מהסביבה ועל האופן בו תפיסת החוץ, העולם מתעוותת במבט מבפנים.

Dina Shenhav

חנא קובטי  העביר לכיתת לימוד חומר חזותי התלוי בכיתות במזרח ירושלים  מדבר מדבר על הניתוק בין חלקי מה שאמורה להיות אותה מדינה.  דימוי של הר הבית תולה לצד קמפיין “האחר הוא אני” שהיה אמור להבטיח אינקלוסיביות חברתית אך הופיע בערבית רק בבתי ספר ערביים.
ב “בית המלאכה”, פרויקט של הילה לביב בחדר כתה ובחצר היא חוזרת לנושא בו עסקה בעבר – קולקטיב נוער יהודי לפליטים מגרמניה, שבמהלך מלחמת העולם השנייה פעל במתכונת קיבוץ בשבדיה. בכתה מוקרן סרט העוקב אחר אלבום צילומים של הקיבוץ והצופים מוזמנים לגזור מגזרות צעצועי עץ שנבנו בבית מלאכה במקום כמקור לפרנסה. על עץ בחצר  מודבקות מגזרות מוגדלות ולצידן עבודת סאונד בו נשמע סיפורה של אחת מנשות הקבוצה בשבדיה. הניגוד בין הצבעוניות המתיקות והמשחקיות למצב המסוכן בו היו הנערים מצמרר.
עוד עבודות בולטות בכיתות הן  “מאבק בלתי סביר נגד אנטרופיה” של ריצ’רד אשר הבריטי ועיסא גרָיֶיּב
“שובו של אֹוזיריס”.  אשר, הניח צילומי תקריב של אובייקטים לא מזוהים על שולחנות כתה בלי לשנות את המבנה המוכר. הדימויים הופכים למעין דפי עבודה או טקסט המסרבים להתפענח וכך מנכיחים את השאלה כיצד ללמוד.
העבודה של גרָיֶיּב, מ 2019, מורכבת מפרגמנטים של סרטים מצריים בהם מופיע נאום התפטרות של נאצר לאחר תבוסת מצרים ב 1967, תוך שהוא מעצים את ההקשר בין דרמת ההתפטרות לעלילות פרטיות שמסופרות בסרטים. גרייב עסק בפירוק סרט קולנוע מצרי גם בעבודה שהציג בתערוכת סיום התואר השני בבצלאל לפני כשנה כך שאפשר לדבר על ראשית פתיחת מבט לתרבות שכנה באופן שלא נעשה בעבר (השפעה של כרסטיאן מרקלי ואמנים נוספים ניכרת).

Johanna Billing

באזורים הציבוריים בולטת עבודת הוידיאו הארוכה התובענית והמרתקת של  יוהנהּ בילינג “כל רגע מציג את מה שקורה” המוצגת באולם הספורט. זוהי מחווה, כמעט  reanactment   לעבודה מוקדמת של ג’ון קייג מ 1952 בה השתתפו בה לצד קייג, משוררים, אנשי קולנוע וגם ראושנברג ומרס קאניגהאם.  בילינג יצרה התרחשות עם ילדי בית ספר בריטי בה מודגשת תחושת אובדן ומבוכה לצד דחיפות. עבודה של שלי פדרמן, מזכירה את האיכות של עבודתה של אמנית מצוינת שהלכה לעולמה בגיל צעיר. ב History to go, עבודה מ ,2004 ארון תצוגה וכדי חרס הנראה כארון תצוגה מוזיאלי אך בתווית “ההסבר” מפורט מחיר וייעוד מסחרי של הכדים. הזיקה לגופי עבודות של אמנים כמו תמיר צדוק, או זוהר גוטסמן המציג כעת במוזיאון ישראל ברורה (וכמובן שאפשר לחשוב גם על חיים סטינבק).

Shelly Federman

שלוש עבודות גדולות של אסתר שניידר מוצבות במסדרונות בית הספר. אלו מבנים קלילים של  פרנזים שֹיער מלאכותי, ונוצות, מברשות וחלקי ריהוט המחוברים יחד לרישום תלת ממדי. המבנים החצי שקופים, השברירים, מחייבים הליכה זהירה סביבם וכך בחינה של התרבות שהם מרמזים לה – עירוב של התבוננות במקורות פרסיים ואסלאמיים אירוניה כלפי אוריינטליזם ושיח עם אמנות סוראליסטית ופופ – מניפת התייחסויות אנציקלופדית ממש שמהדהד בתוך מוסד לימוד שאמור לתת השכלה כללית. עוד בולטות סדרת הציורים המצוינים “מצולות” של שרון פקטורוביץ’ פינקוס, מיצב רישום ציורי וקליגרפי של דֹועָאא בַדראן, עבודות הדפס ורקמה של פאריד אבו שקרה,  ווידיאו של מנער זועבי והפיסול של חלי יוזביץ העשוי בטון ואדמה ומוצג על שולחנות קפיטריה ברוטליסטית בהצבה מצוינת.

אוצר ראשי: ד”ר רועי ברנד
אוצרות-שותפות: סנדרה וייל, רולא ח’ורי
רח׳ ז׳בוטינסקי 106 ,תל אביב

צילומים – סמדר שפי

Sharon Faktorowich Pinkus

 

The Autonomous Art Biennale at Gymnasia “Herzliya,” Tel Aviv:Experiments in Learning”

 

The Autonomous Art Biennale at Gymnasia “Herzliya” Tel Aviv is one of the best art events held in Israel within the past few years. Chief Curator Dr. Roy Brand, and Associate Curators Sandra Weil and Rula Khoury have created a coherent exhibition using the space of the school both in terms of installation and concept. The title, “Experiments in Learning,” is a broad umbrella for issues of memory, environment, and education, whose extrapolation touch on nearly every sphere of life. The Biennale, at a time in which the importance of civic education is becoming clearer, as well as how much it has been disregarded over the past decades, adds a sense of urgency. It may be a cliché to state the following but it must be said: the Autonomous Art Biennale at Gymnasia “Herzliya” Tel Aviv as a source of optimism in these dark days.

The school’s Modernist building is totally generic but makes for easy orientation; its visual neutrality leaves it open for art (it is fascinating to think about its conceptual weight in a future exhibition). The classrooms are spaces for solo installations, while the hallways, gymnasium, theatre, and courtyards are spaces for group installation.
From the promising program of special events and numerous activities, I attended only Rula Khoury’s lecture on Palestinian art, with too-high expectations. The lecture did not give new insights into the new art centers in the Territories. Using the term “Biennale”for a first-time exhibition is optimistic and pretentious. Israeli art history is full of exhibitions with that title that did not continue beyond one or two editions. The autonomy of which the exhibition boasts is also questionable. The announcements note that it received no public financing, but it is being held in an institution funded largely by public monies. The list of sponsors comprises leading figures of the Israeli art world, which perhaps contributed to a certain conservative line. Although there are no seminal works that will ignite a new discourse, yet most of the artworks are good: it is an exhibition whose whole is greater in all aspects than the sum of its parts.
Dina Shenhav, in “Starting Over,” covered standard classroom furniture with a black canvas and covered the wall with a pattern of abundant green vegetation, transforming the space into a kind of stage awaiting a play. The evident artificiality speaks to the utter alienation of the classroom from its environment, and the way in which the perception of the exterior world becomes distorted by the gaze from the interior.
Hanna Qubty placed visual materials from East Jerusalem classrooms to speak about the disruption between parts of what were supposed to be the same country. The image of the Temple Mount hangs next to the campaign poster “The ‘other’ is me,” that was supposed to promote inclusiveness but appears in Arabic only in Arab schools. In Hila Laviv’s project “Workshop” installed in a classroom and in the yard, she returns to a history with which she engaged in the past – a collective of young Jewish refugees from Germany who operated as a kibbutz in Sweden during World War II. The film screened in the classroom follows the photo album of the kibbutz, while viewers are invited to create papercuts of wooden toys made in the workshop on the kibbutz as a way to earn their livelihood. Enlarged cutouts are pasted on a tree in the yard, alongside of which is a sound piece in which one of the refugees tells her story. The contrast between the sweet colors and playfulness and between the circumstances under which they were made is chilling.

Richard Usher

Other outstanding works in the classrooms are British artist Richard Usher’s “Unreasonable Struggle against Entropy,” and Essa Grayeb’s “Return of Osiris.” Usher placed close-up photographs of unidentified objects on the desks without changing their familiar structure. The images become a kind of workbook sheets or text that refuse to be decoded, thus asking: How does one learn?
Grayeb’s 2019 piece is comprised of fragments of Egyptian films with Nasser making his resignation speech after Egypt’s defeat in the 1967 war. Grayeb intensifies the connection between the political and the personal. He deconstructed an Egyptian film in his Bezalel MFA graduation project about a year ago, thus beginning an observation of our neighboring cultures in a way that was not done in the past (evidently influenced by Christian Markley and other artists).
Johanna Billing’s long, demanding, fascinating video, “What Happens Every Moment,” screened in the sports hall, stands out among the works in the public spaces. This is a tribute – almost a reenactment – of an early work by John Cage (1952) in which poets, filmmakers, and dancers, including Rauschenberg and Merce Cunningham, participated. Billing created a “happening” with schoolchildren at a British school in which a sense of loss and confusion is emphasized along with urgency. The artwork by a late Shelly Federman reminds us of the excellent quality of her work. In History to Go (2004), clay jugs look like a museum display, but the detailed “explanatory” label shows the price and commercial destination of the jugs. The connection to the works of other artists such as Tamir Zadok or Zohar Gottesman – currently showing at the Israel Museum Jerusalem – is clear (and of course, Haim Steinbach comes to mind).

Doaa Badran

Three large works by Ester Schneider are installed in the school’s hallways. They are light-weight structures of fringes of artificial hair, feathers, brushes, and furniture fragments are like drawings in space. The fragile structures require visitors to carefully navigate around them and observe their Persian and Islamic sources, in an ironic look at Orientalism, and discourse with Surrealism and Pop Art –truly encyclopedic references. These are especially potent in an educational institution with a humanistic curriculum. Outstanding as well is the excellent series of paintings by Sharon Faktorowich Pinkus titled “Depths”; a painting/calligraphic/drawing installation by Doaa Badran; Farid Abu Shakrah’s print and embroidery piece; a video by Manar Zuabi; and the concrete and earth sculpture by Cheli Jusewitz placed on tables in a Brutalist cafeteria in an interesting installation.

Chief Curator: Dr. Roy Brand Associate Curators: Sandra Weil and Rula Khoury

106 Jabotinsky, Tel Aviv

Photographs: Smadar Sheffi

Cheli Jusewitz

+3
Posted in Evants, Video, וידיאו, פיסול ומיצב, ציור, צילום | Tagged , , , , , | Comments Off on The Autonomous Art Biennale at Gymnasia “Herzliya,” Tel Aviv:Experiments in Learning”   |התנסויות בלמידה – הביאנלה האוטונומית לאמנות בגימנסיה העברית ״הרצליה״ תל אביב

תומר ספיר: אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר | סרטי האמנות המבטיחים בפסטיבל אפוס 2023

+2

English follows Hebrew

המהלך של תומר ספיר במיצב “אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר” (אוצרת: אירנה גורדון) מרשים. עם יריעות בצבעי זהב וכסף, באור תכלכל, בזוהר ובגועל במידות שוות ספיר יוצר סביבה בארוקית מוכרת וזרה. העבודות נעות בין רמיזות למיתוסים מוכרים, המצאת מיתוס פרטי והתייחסות נכוחה למציאות כדור הארץ כסביבת חיים הולכת ומשתבשת במהירות מעוררת אימה. כותרת התערוכה, “אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר”, במידה רבה המוטו שלה,  נאמרה על ידי  בתו של ספיר, תמרה. הבחנתה בצרצור צרצר בבוקר תל אביבי, כלומר בשיבוש בסדר הטבעי, עומדת בליבה.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

ספיר ממשיך למצוא סימני פענוח לעולם בחיי משפחתו, מיקרוקוסמוס שכבר עמד במרכז התערוכה ״משהו קרה לנו אבא״ שהציג בגלריה שלוש ב 2017 באצירת בן זוגו אבי לובין. שם התערוכה בשלוש היה משפט שאמר בנו, נמרוד, אחיה התאום של תמרה. העניין במשפחה, בזרמים העמוקים של שארות, בקשרים פסיכולוגיים נכח גם ב”קיקלון” התערוכה של ספיר שאצרתי במוזיאון בית ביאליק ב 2019. בתערוכה שהייתה חלק מהפרויקט של אמנות/מחקר מורשת ביאליק ספיר עסק בשיר “אבי” והתמקד בשבר של דמות האב, בהזדהות וכאב של ילד על אביו המושפל.

Tomer Sapir – Kikalon
Bialik Museum. 2019 Curator Dr. Smadar Sheffi . (Photograph: Tom Porat).

הפקעת ששמה משפחה, קשרי הורים וילדים, קשרים בין אחים ובין תאומים, שאלות של תורשה וירושה (במובנים הסימבוליים ובמובנים החומריים) חוזרים בסיפורי מיתולוגיות ברחבי העולם, מניעים קוסמולוגיות (ניסיונות למצוא סדר ביקום) מהודו ועד מצרים ויוון. ספיר משתמש במשפחתו כאחד הקווים במה שניתן לחשוב עליו כקונטרפונקט חזותי : דימויי היומיומי, המקומי הישראלי – תל אביבי (גינת שינקין, חוג קפוארה, חומרי סידקית מפלסטיק וסתיו ישראלי) במקביל  לפיסול ספקטקולרי, התייחסויות למדע בדיוני, לגוטי, למסויט, לאפל.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

בניית מיתוסים של טבע דמיוני (יצורים וצמחים) מאפיינת את העבודה של ספיר כבר כשני עשורים. כאן הוא מתחבר  לשאלות של משפחה ובמיוחד לכפילות. התאומים, במקרה הפרטי תאומים לא זהים, בן ובת, מעלים את השאלות על מהות הכפילות, במיוחד היבטיה המאיימים – הכוונה למוטיב ה doppelganger, הכפיל המרושע על פי רוב של אדם חי, מוטיב שמערער על היכולת שלנו לזהות ולהכיר את האחר (שהרי לא נזהה שכפיל אינו המקור ) וגם את השאלה של מהות ההכפלה הלא זהה – זכר ונקבה ברא אותם.
הזיקה לעבודות אמנים בינלאומיים מעניינת וראויה לדיון: פרויקט הראווה Treasures from the Wreck of the Unbelievable שהציג דמיאן הירסט בוונציה  2017 עולה על הדעת וכך גם את חליפות הקול ( The soundsuits) של ניק קייב שתערוכתו מוצגת כעת בגוגנהיים בניו יורק. שני האמנים אמנם שונים אבל לשניהם משותפת היצירה של נוכחות גוף המדגישה אותו ככלי מנוכר וגם מופלא. בצופות והצופים הסובבים במרחב התערוכה, עולה תחושה שדבר מה רוחש, עולה, מעבר או תת מודע היסטורי. שלד דו ראשי של זכר ונקבה, שלד אחר שהוא ספק של אדם ספק של חיה שצמח אדום צומח עליו(או מתוכו?) וגם שלדי כלבים שמתגלים בהם אלמנטים אנושיים, מציעים אופציה לאבולוציה אלטרנטיבית, לסיוט דיסטופי שהשיבוש בו אנו חיים הופך ליותר ויותר אפשרי.

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

הגופניות, היחס בין גוף הצופה לאזכורי הגוף במוצגים מלכדת את החלל הגדוש בווידאו קולאז’ים ואובייקטים עד סכנת התפרקות.   הוידיאו עוקב אחר שיעור קפוארה של נמרוד, לצד וידיאו בו תמרה מספרת סיפור המתחיל כתמים ונגמר כצופן בתוכו סודות: חלומות, שטן וגשם דם שמזכירים תיאורי אסונות כמו  מכות מצרים מתערבבים בדיבור על חוויות היומיום  ספיר מחדד את התחושה של קץ קרוב (מסורות של חניטה, וקבורה ופולחן מתים כולן נוכחות) וגם את המשיכה המורבידית שיש לאלו. המשחק בין עבר להווה, התחושה של צפיה בעתיד כפי שנראה בסרט מדע בדיוני ישן  מחזקת את התחושה הסמיכה, המעיקה של עולם היונק – טורף את עצמו פנימה ומותיר אחריו שרידים המסרבים להתפרק, לחזור למעגל “טבעי” שנחשב פעם לאינסופי. על הקיר ביציאה  מהתערוכה מופיע המשפט MOVING TO A FRIENDLY TERRITORY , כמו הצעה להמלטות, אך המשפט משובש. TERRITORY מופיע כ TERRSTOR , כלומר היעד הטריטוריה לא ברורה, אולי מהדהדת גם המילה TERROR , ומכל מקום דבר  אינו ידידותי בסביבה בה צרצרים מצרצרים בשעות לא להם.

מוזיאון פתח תקוה לאמנות
כל הצילומים : סמדר שפי

Tomer Sapir, But Why do I Hear the Crickets‭, ‬it‮’‬s Morning. 2023

סרטים מבטיחים פסטיבל אפוס לסרטי תרבות ואמנות 2023

 לפני צפייה, כמה בחירות אינטואיטיביות/ מושכלות בסרטים מהפסטיבל  פסטיבל אפוס לסרטי תרבות ואמנות 2023:

חלוצת האמנות המודרנית – גבריאל מונטר
בימוי: פלורנס מאורו | צרפת, 2022 | 54 דקות

את מונטר, ציירת נהדרת ממנסחות האקספרסיוניזם הגרמני ובת זוגו של וסילי קנדינסקי בשנותיו במינכן  הכרתי בעיקר מעבודותיה במוזיאון   Lenbachhaus בעיר.  בשנות מלה”ע השנייה מונטר הסתירה ושימרה קבוצת עבודות חשובה ביותר שלה, של קנדינסקי ואמני הפרש הכחול,  בביתה הכפרי במורנאו, לא רחוק ממינכן . בשנות ה 60 תרמה את כולן למוזיאון.

מתגלות מחדש: פרק 1 + פרק 2 
בימוי: סוזן רדלהוף | גרמניה, 2021

למרות שיטפון הגילוי מחדש של אמניות נשים בעשור החולף נראה שיש עוד ועוד לגלות כך ששני הפרקים הם בבחינת צפיית חובה ממש. חלק מהאמניות שמופיעות מוכרות למדי , כך סוזאן ואלאדון, נטליה גונצ’רובה . אחרות כמו ג’ולי וולפטורן או קיקי קוגלניק כמעט נמחקו מהזיכרון הקולקטיבי.

_Kiki Kogelnik New York, ca. 1965©Kiki Kogelnik Foundation (1)

מרינה ואוליי: הסוף לא ידוע
בימוי: קספר בך דיג | דנמרק, 2022

המונח חשיפת יתר לא קיים ביחס למרינה אברמוביץ. האמנית שהיא אולי המתועדת ביותר הופכת כל שלב בחייה לחומר לאמנות/עוד תיעוד (וחידוד וחידוש בהגדרות מיצג) . השיחות שלה עם אוליי , מי שהיה שותפה ובן זוגה משנות ה 70 עד הפרידה המתקושרת על החומה הסינית ב 1988 .ודאי מרתקות . לאחר נתק של שנים, לרבות סיכסוך משפטי /מוסרי על הזכויות על עבודות, הם נפגשו והשלימו בעת התערוכה מיצג שלה “THE ARTIST IS PRESENT” ב MOMA ב 2010. אוליי עמד בתור לשבת מולה ונוצר רגע שאיאפשר שלא להתרגש מולו.

Marina&Ulay

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tomer Sapir,
But Why do I Hear the Crickets, it’s Morning. 2023

Tomer Sapir takes an impressive step forward in his installation “But Why do I Hear the Crickets, it’s Morning” (curated by Irena Gordon) is impressive. With gold and silver sheeting, bluish illumination, and equal measures of splendor and revulsion, Sapir creates a Baroque atmosphere which is both familiar and strange. The works range from familiar myths, invented private myths, and evident references to the current state of the Earth, an ecosystem that is rapidly and increasingly being disrupted. The installation’s title and, to a great extent, its motto, comes from a question posed by the artist’s daughter, Tamara, who heard a cricket on a Tel Aviv morning, which is not the normal natural timing. Here lies the core of the exhibition.
Sapir continues to decode the world through his family life, a microcosm which was pivotal to his 2017 exhibition, “Something’s Happened to Us, Father” at the Chelouche Gallery, curated by his life partner Avi Lubin. The title came from a question by their son, Nimrod, Tamara’s twin brother. Sapir’s focus on his family, deepest layers of kinship and psychological ties, was present as well in “Kikalon,” his 2019 exhibition that I curated in the Bialik Museum, part of the research-based art project inspired by Bialik’s legacy. Sapir engaged in Bialik’s poem “My Father,” focusing on his father’s humiliation and the child’s identification with his pain.
All that is embodied in “family” –parent-child bonds, sibling ties, twinship, issues of heredity and inheritance (in all its symbolic and material aspects) – recur in myths throughout the world, with their cosmological  motives attempting to find order in the universe. The way Sapir uses his family may be considered a “visual counterpoint”: images of the local Israeli Tel Aviv day-to-day life (Sheinkin Park, capoeira class, plastic sewing notions, and the Israeli Autumn) together with a a spectacular sculpture, references to science fiction, to the Gothic, to what is distorted and dark.
Building myths of imagined creatures and plants have characterized Sapir’s oeuvre for about two decades. Here he connects to family issues and especially to doubling. Twins, in this case fraternal twins of a boy and girl, raise issues of doubling and its threatening aspects – the motif of the doppelganger, the “shadow” double, usually of a living person, which subverts the ability to identify and become familiar  with the “other” (since we cannot identify the double as not being the original). The question of the doubling of the dissimilar also arises – “male and female He created them.”
Associations to international artists are interesting: Damien Hirst’s ostentatious project “Treasures from the Wreck of the Unbelievable” installed in Venice in 2017 comes to mind, as well as Nick Cave’s “Soundsuits,” currently in the Guggenheim, New York. Although the two artists differ, they share the presence of the body and emphasize it as an alienated instrument which is also marvelous.
The audience at the exhibition seemed to feel that they were catching a glimpse of a kind of historical unconscious. A two-headed skeleton of a male and female,  another of an ambiguous creature with a red plant growing out of it, skeletons of dogs with some human elements together suggest an option for alternative evolution, creating a dystopian nightmare in which the disruption in which we live is becoming increasingly possible.

The physicality, the relationship of the viewer’s body to the reminders of the body in the exhibitions, unifies the space loaded with video collages and objects seemingly on the verge of disintegration. A video film of Nimrod’s capoeira class is installed alongside a video in which Tamara tells a story which begins as innocent and ends with seemingly coded secrets: dreams, a devil, a rain of blood, similar to descriptions of disasters such as the Ten Plagues, are mixed in with conversations about daily life.  Sapir intensifies the feeling of approaching apocalypse with burial traditions, hints of mummies, and rituals surrounding death omnipresent, as well as the morbid attraction to them. The play between past and present, expecting the future as depicted in an old science fiction film, reinforces the oppressive sensation of a world tearing itself apart, leaving behind remnants that refuse to deconstruct, to return to a “natural” cycle once thought to be infinite. On the wall as visitors exit the exhibition there is a sign that looks like an escape sign, but instead of reading, “Moving to a friendly territory,” it states, “Moving to a friendly terrstor.” The territory is unclear, and perhaps resonates the word “terror.” In any case, nothing is friendly in an environment in which crickets are heard at an abnormal hour of the day.

Petach Tikva Museum of Art
Photographs: Smadar Sheffi

 

EPOS Art Film Festival 2023

Here are several of my intuitive/logical picks from the forthcoming Festival:

Gabriele Münter – Pioneer of Modern Art

France, 2022 | 54 minutes
Director: Florence Mauro

Münter was a wonderful painter, one of the artists who shaped German Expressionism, and Kandinksy’s partner during his years in Munich. I became familiar with her oeuvre mainly from the works in the city’s Lenbachhaus Museum. During World War II, Münter concealed her most important paintings and works by Kandinsky and the Blue Rider group in her country house in Murnau, not far from Munich, thus saving them. In the 1960s she donated all of the works to the Museum.

Gabriele Münter – Pioneer of Modern Art

Lost Women Art: Part 1+ Part 2

Germany, 2021 | 52 minutes (each)
Director: Susanne Radelhof

Despite the flood of rediscovered women artists over the past decade, it seems that there are more and more to discover. The two parts of this film are a “must.” Some of the artists spotlighted are over-familiar, such as Suzanne Valadon, and Natalia Goncharova, but others, such as Julie Wolfthorn or Kiki Kogelnik have almost been erased from collective memory.

Marina Abramović & Ulay: No Predicted End

Denmark, 2022 | 96 minutes
Director: Kasper Bech Dyg

The concept of “overexposure” does not exist for Marina Abramović, who is perhaps the most documented artist ever. She turns every stage of her life into art or another documentation (sharpening and reinventing the definition of the installation). Her conversations of her former partner in life and art since the 1970s through their documented and publicized separation on the Great Wall of China in 1988, are probably fascinating. After not speaking for decades, including a legal dispute over the moral right to the copyright of the artworks, they made peace with each other in Abramovi’ć’s performance at MOMA in 2010, “The Artist is Present.” Ulay stood in line to sit opposite her, creating a moment that cannot fail to excite.

ReplyForward
+2
Posted in Evants, וידיאו, מייצג, פיסול ומיצב, ציור | Tagged , , , , | Comments Off on תומר ספיר: אבל למה אני שומעת את הצרצרים, עכשיו בוקר | סרטי האמנות המבטיחים בפסטיבל אפוס 2023

רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט | Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

+2

English follows Hebrew

נשים הן הגיבורות הראשיות במרבית עבודותיה של רותי הלביץ כהן. דמויותיהן נשענות על מקורות קמאיים – מיתולוגיות וסיפורים – ועל הגלגולים והעיבודים של אלו באמנות ובתרבות הפופולרית דוגמת סרטי וולט דיסני. יצירותיה האינטנסיביות, לעיתים באורח קשה, מספרות סיפורים, סיוטים, חלומות ואגדות. הן אומרות שירה ומשמיעות זעקה כישויות עצמאיות שמחפשות את דרכן בעולם.

Ruthi Helbitz Cohen
Leather dress and black head, 2022

בלב התערוכה “ואז יבוא השקט” מיצב העשוי שלוש עבודות רישום וקולאז’ על בדי ענק (כל אחד בגובה של כשישה מטרים), היוצרים חלל בתוך החלל ומסמנים רחבה דיפוזית. על הרצפה פזורות מראות אליפטיות מוכתמות ומצוירות, המשקפות בו-זמנית את העבודות ואת הצופה ומחברות לדימוי אחד נזיל ומשתנה, אמנות וחיים.

המיצב משרטט יקום כאוטי: במרכזו “שעון החול”, דמות אישה המחזיקה שעון חול בזרועה האחת בעוד הזרוע השנייה מסומנת בקווים דקים, שמאחד מהם יוצא ספק לב, ספק עובר, ומה שאמור להיות מוגן הופך מופקר. עבודות של פרידה קאלו, כמו “בית החולים הנרי פורד” מ-1932 ו”שתי פרידות” מ-1939, עולות על הדעת בגלל הסבל היוקד ובשל השימוש בשפה סימבולית ישירה – לב ועובר.

Ruthi Helbitz Cohen
The Hourglass
2019

ב”אקוודוקט” מרחפת ציפור ענקית מעל גופות נשים זקופות ערופות ראש. הציפור, ספק עיט ספק נשר, מזכירה סמלי שלטון של משטרים דורסניים שנשים הן בדרך כלל מקורבנותיהם המובהקים. אמת המים, שעצם תפקידה הוא לאפשר חיים, מפורקת כליל. ב”חלב ודבש וחלב” פרחי ציפור גן עדן, שלד לצד לב ואיברים פנימיים מרחפים-רוקדים על הבד – גרסה עכשווית ל”ריקוד המוות ” (Danse Macabre), אלגוריה מימי הביניים על האוניברסליות של המוות.מתוך העבודות עולות פנים רבות של קיום נשי: אימהות, יופי, חשש תמידי מקמילה וצל מתמיד של שכול ואלימות. הדמויות עדינות ופריכות ועם זאת חזקות ולעיתים, כמו ב”שעון החול”, מלכותיות. בדי הענק שעליהם נוצרו מתקשרים למסך תיאטרון, אחת המטפורות השגורות, שאינה פחות נכונה בשל כך, לעולם.

Ruthi Helbitz Cohen
Bluebell
2022
Ball point pen, ink, coffee, on calligraphy paper, 100 X 180 cm
(detail)

מפגש הכתמה ורישום מתרחש בעבודות “פעמונית” ו”מאטה הארי”, דיוקנאות נשים בהם כתמים מרהיבים וקווים כמעט נעלמים. הדמויות הן נשים ששמן נקשר לאגדות. פעמונית הוא שמה העברי המקובל של רפונזל מאגדות האחים גרים, שמכשפה כלאה בארמון והקשר היחיד שלה לעולם הוא דרך צמתה המשתלשלת מהמגדל שבו נכלאה. “מאטה הארי” היה שם הבמה של רקדנית ודוגמנית הולנדית שהורשעה בריגול לטובת גרמניה במלחמת העולם הראשונה, ספק אם בצדק, והוצאה להורג.

לראשונה מציגה הלביץ כהן צילום מבוים. בצילומים מתעטף תומר ספיר, אמן וחבר, בבגד נייר המופיע ב”שעון החול”, העבודה האמצעית במיצב המרכזי. השמלה, מגזרות מצוירות של חלקי גוף, עדינה מאוד ועם זאת מחרידה. שמלת הנייר מכסה את ספיר כפקעת המכסה על גולם שהופך לפרפר. המפגש של גוף גברי עם שמלות הנייר של הלביץ-כהן יוצר רגע השואל על מגדר וכוח, ובעיקר על עצם היכולת שלנו להבין ולהזדהות. הצילום מנציח פעולה ומפקיע אותה מרצף הזמן.

ביוזמת המרכז לאמנות עכשווית בשיתוף הבית הפתוח ומרכז רוסינג ערכה הלביץ-כהן מספר סדנאות ויצרה יחד עם נשים מקהילות מגוונות את העבודה “זהרורי יופי”, המוצבת בבית הפתוח ברמלה במקביל לתערוכה. בסדנאות יצרו המשתתפות דמעות נייר וכתבו עליהן מחשבות, שאלות וסיפורים קצרצרים. הדמעות מודבקות זו לזו, מערסלות סודות.

בעוצמה והתרסה לצד חשיפה, פחדים וחששות, הנשים של הלביץ-כהן מחפשות תשובה, אולי מפלט.

ואז יבוא השקט.

רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט
אוצרת ד”ר סמדר שפי
המרכז לאמנות עכשווית רמלה CACR     התערוכה תנעל ב 3 מרץ , 2023

 

Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

Ruthi Helbitz Cohen’s works focus on issues of femininity, gender, equality, and cultural structures of women’s images. Her figures are based on primordial sources – mythologies and stories – and on their various incarnations in art and popular culture, such as Walt Disney films. Helbitz Cohen’s intensive artworks narrate stories, nightmares, dreams, and legends – at times painfully. These images are seemingly vocal, as if reciting poetry, screaming, and murmuring utterances, acting as independent entities seeking their pathway through the world.

Three large works combining drawing and collage form the core of the exhibition. The huge fabric sheets (each about six meters high) create a space within a space, demarcating a diffused area. Elliptical mirrors, stained and painted, are placed on the floor, simultaneously reflecting the artworks and the viewer, connecting life and art in one ephemeral image.

The installation delineates a chaotic universe: at its center is an Hourglass, the figure of a woman holding an hourglass in one arm while her second is marked with thin lines. What may be a heart or perhaps a fetus emerges at the end of one of these lines, creating a conspicuous awareness that what should be protected is exposed. Henry Ford Hospital (1932) and The Two Fridas (1939), two masterpieces by Frida Kahlo, come to mind with their use of direct symbolic language – heart and fetus.

A huge bird hovering over bodies of beheaded women is the central image in Aqueduct. The vulture or maybe an eagle brings to mind symbols of repressive regimes which usually victimize women. The aqueduct, whose function is to enable life, is entirely broken down. In Milk and Honey and Milk, Bird of Paradise flowers (Strelitzia reginae) stand by a heart and internal organs hovering over the canvas in a contemporary version of the Danse Macabre a medieval allegory about the universality of death.

These artworks reflect facets of feminine existence arise: motherhood, beauty, constant fear of withering and a constant shadow of bereavement and violence. Notwithstanding the figures’ gentleness and fragility, they are formidable and sometimes royal, as in The Hourglass. The fabric evokes a theatre curtain, a common metaphor that is fitting.

Ruthi Helbitz Cohen
Leather dress and black head
2022
Photograph, 50 X 90 cm

Lines and patches of color compose Bluebell and Mata Hari, portraits of women whose names are associated with legends.  Bluebell is the commonly accepted Hebrew name for Rapunzel from the Brothers Grimm’s fairy tales, whom a wicked witch imprisoned in a castle. Communication with the outside world was through her long braid descending from her prison tower. Mata Hari was the stage name of the Dutch exotic dancer accused of spying for Germany in World War I and executed,

For the first time, Helbitz Cohen is exhibiting a staged photograph: Tomer Sapir, artist and friend, is seen in the photographs enveloped in a paper dress taken from the Hourglass, the active installation. The dress made of painted cutouts of body parts, is very delicate yet terrifying. The paper dress covering Sapir seems to be like the cocoon encasing a chrysalis which becomes a butterfly. The interface between the male body and between Helbitz Cohen’s paper dresses raises issues of gender and power, and our ability to understand and identify. The photograph commemorates an action, extracting it from the time continuum.

Ruthi Helbitz Cohen
Mata Hari
2022
Ball point pen, ink, coffee, on calligraphy paper, 100 X 180 cm

On the initiative of the Contemporary Art Center Ramle-CACR, in association with the Open House in Ramle and the Rossing Center for Education and Dialogue, Helbitz Cohen conducted workshops for women from diverse communities. Together they created the piece “Radiant Beauty,” installed in the Open House in Ramle simultaneously with the exhibition. In the workshops, participants made paper tears and wrote down their thoughts, questions, and short stories. The tears are pasted to each other, cradling secrets.

With intensity and challenge, with exposure, fears, and doubts, Helbitz Cohen’s women seek answers, perhaps refuge.

                                                             And then the silence

Curator: Dr. Smadar Sheffi
Contemporary Art Center, Ramle – CACR

+2
Posted in פיסול ומיצב, ציור | Tagged , , , , , , , , , | Comments Off on רותי הלביץ כהן – ואז יבוא השקט | Ruthi Helbitz Cohen – And then the silence

סמדר שפי, החלון, אומנות ישראלית, אמנות ישראלית, Smadar Sheffi, The Window, Israeli Art